Você encontra uma série que parece interessante, abre a página para começar a assistir e descobre que ela tem centenas de episódios.

De repente, aquele entusiasmo diminui um pouco.

Não porque a história seja ruim. Pelo contrário. O problema é pensar em todo o tempo necessário para chegar até o final.

É justamente aí que os animes mais curtos ganham espaço.

Com temporadas menores, eles conseguem apresentar personagens, desenvolver conflitos e construir momentos emocionantes sem exigir um compromisso de centenas de episódios.

E existe algo curioso nisso.

Uma história não precisa ser enorme para deixar uma marca enorme.

Algumas produções conseguem fazer o espectador rir, sofrer, criar carinho pelos personagens e terminar a história em poucas horas.

Para quem tem pouco tempo, quer experimentar um gênero diferente ou simplesmente está procurando algo para assistir em um fim de semana, esse formato pode ser uma ótima porta de entrada para o mundo dos animes.

Mas existe uma pergunta ainda mais interessante:

Como algumas histórias conseguem dizer tanto em tão poucos episódios?

O que torna um anime curto tão interessante?

A primeira diferença está no ritmo.

Quando uma produção possui uma quantidade limitada de episódios, existe menos espaço para prolongar conflitos sem necessidade.

Cada capítulo precisa contribuir para alguma coisa.

Pode ser o desenvolvimento de um personagem.

Uma descoberta importante.

Uma mudança na relação entre duas pessoas.

Ou simplesmente um momento que prepara emocionalmente o espectador para o que vem depois.

Isso não significa que todo anime curto seja automaticamente melhor ou mais eficiente.

Uma história longa pode usar seu tempo para construir um mundo enorme e desenvolver personagens durante anos.

A proposta é diferente.

Enquanto uma série longa pode criar uma relação gradual com o público, uma produção curta precisa conquistar essa atenção em menos tempo.

E quando consegue, o efeito pode ser surpreendente.

Anime curto significa história simples?

De jeito nenhum.

Esse talvez seja um dos maiores enganos sobre o formato.

Poucos episódios não significam poucos assuntos.

Uma série curta pode falar sobre luto, culpa, amizade, solidão, amadurecimento, moralidade, amor ou até questões existenciais.

A diferença está em quanto tempo ela possui para fazer isso.

Algumas histórias preferem concentrar seus temas em poucos personagens.

Outras trabalham com uma ideia muito específica.

E algumas simplesmente usam uma temporada curta para contar uma história que possui começo, desenvolvimento e conclusão bem definidos.

Por isso, antes de perguntar se um anime é longo ou curto, talvez seja mais interessante perguntar:

O que ele faz com o tempo que tem?

One Punch Man: quando o humor encontra uma animação espetacular

One Punch Man parece ter uma premissa simples.

Saitama é tão poderoso que consegue derrotar seus adversários com um único soco.

O problema é justamente esse.

Depois de alcançar um nível absurdo de força, ele deixou de encontrar aquilo que mais queria: um adversário capaz de realmente desafiá-lo.

A ideia poderia funcionar apenas como uma paródia dos animes de luta.

Mas a série vai além.

Ela brinca com vários clichês dos heróis superpoderosos enquanto entrega cenas de ação impressionantes.

Saitama é poderoso demais, mas não se comporta como o típico protagonista que está sempre procurando uma nova batalha.

Na verdade, muitas vezes ele está mais preocupado com coisas extremamente comuns.

Isso cria um contraste engraçado.

De um lado, temos ameaças gigantescas.

Do outro, um protagonista preocupado com promoções no supermercado ou com o fato de ninguém reconhecer seus feitos.

E quando a série decide levar uma luta a sério, o resultado pode ser completamente diferente do tom de comédia apresentado momentos antes.

One Punch Man funciona justamente porque consegue brincar com o gênero enquanto ainda demonstra carinho por ele.

Erased: um mistério que transforma o passado em urgência

Erased segue uma proposta completamente diferente.

A história acompanha um homem que possui uma habilidade capaz de levá-lo de volta a momentos anteriores de sua vida.

Essa capacidade ganha um novo significado quando ele precisa tentar impedir acontecimentos trágicos ligados à sua infância.

A partir daí, o anime mistura mistério e drama.

Mas existe algo além da investigação.

A série trabalha muito com a sensação de impotência.

O personagem sabe que alguma coisa está errada, mas precisa descobrir como impedir que aquilo aconteça.

E, ao voltar para o passado, ele também começa a enxergar sua própria infância de uma maneira diferente.

A tensão não vem apenas da pergunta:

“Quem está por trás disso?”

Também vem de outra:

“Será que é possível mudar aquilo que já aconteceu?”

Essa combinação ajuda a explicar por que Erased consegue prender tanto a atenção mesmo com uma história relativamente compacta.

Death Parade: e se você tivesse que provar quem realmente é?

À primeira vista, Death Parade parece uma história sobrenatural bastante estranha.

Pessoas chegam a um bar misterioso sem entender completamente como foram parar ali.

Então são colocadas diante de jogos que revelam diferentes aspectos de suas personalidades.

Mas o anime não está realmente interessado apenas nos jogos.

Ele quer saber o que acontece quando alguém é colocado sob pressão.

Como uma pessoa reage quando acredita que pode perder tudo?

Ela continua sendo gentil?

Fica egoísta?

Mentiria?

Tentaria salvar outra pessoa?

Ou pensaria apenas em si mesma?

É nesse ponto que Death Parade ganha força.

Cada situação funciona quase como uma pequena experiência sobre comportamento humano.

Por isso, quem começa esperando apenas uma história sobrenatural pode acabar encontrando uma discussão muito mais interessante sobre culpa, arrependimento e moralidade.

Toradora!: quando uma comédia romântica começa a ficar séria

Toradora! inicialmente parece seguir uma fórmula bastante conhecida.

Dois estudantes com personalidades diferentes acabam se aproximando enquanto tentam ajudar um ao outro em suas vidas amorosas.

Só que, conforme os episódios avançam, os personagens deixam de parecer apenas arquétipos de uma comédia escolar.

Eles possuem inseguranças.

Têm medo de rejeição.

Cometem erros.

Escondem sentimentos.

E nem sempre conseguem dizer aquilo que realmente pensam.

Essa transformação é importante porque a série começa de maneira leve, mas vai mostrando aos poucos que seus personagens carregam problemas emocionais bem mais profundos.

O humor continua presente.

Mas agora existe algo por trás das piadas.

E é justamente essa mudança de tom que ajuda Toradora! a permanecer na memória de muitos fãs.

Anohana: quando a infância fica presa ao passado

Poucos animes conseguem trabalhar o luto de maneira tão direta quanto Anohana.

A história acompanha um grupo de amigos que se afastou depois de um acontecimento traumático.

Anos depois, algo inesperado faz com que eles precisem enfrentar novamente aquilo que tentaram deixar para trás.

O anime não trata a perda como algo que simplesmente desaparece com o tempo.

Cada personagem reage de uma maneira diferente.

Existe culpa.

Existe saudade.

Existe raiva.

Existe dificuldade para seguir em frente.

E existe também a sensação de que algumas coisas nunca foram realmente resolvidas.

É isso que dá peso à história.

Anohana não precisa de centenas de episódios para mostrar como um acontecimento pode continuar influenciando a vida de alguém muitos anos depois.

Às vezes, algumas poucas horas são suficientes para contar uma história que permanece na cabeça por muito mais tempo.

Violet Evergarden: quando aprender a sentir vira a própria história

Violet Evergarden apresenta uma protagonista que passou boa parte da vida envolvida em conflitos e que possui dificuldade para compreender os sentimentos humanos.

Depois da guerra, ela começa a trabalhar escrevendo cartas para outras pessoas.

Parece uma atividade simples.

Mas cada carta coloca Violet diante de uma nova experiência.

Amor.

Saudade.

Perda.

Arrependimento.

Afeto.

Pouco a pouco, ela começa a compreender emoções que antes não conseguia explicar.

E essa é uma das grandes forças da série.

Violet Evergarden não depende apenas de grandes acontecimentos.

Muitas vezes, o impacto está em detalhes.

Uma carta.

Um olhar.

Um silêncio.

Uma pessoa tentando encontrar as palavras certas para dizer algo que talvez nunca tenha conseguido expressar antes.

A animação também possui um cuidado visual impressionante, mas são os pequenos momentos que dão à série sua identidade emocional.

FLCL: seis episódios que parecem uma explosão

Se existe um anime que prova que duração não determina complexidade, é FLCL.

São apenas seis episódios.

E mesmo assim, a série consegue misturar ficção científica, humor, música, amadurecimento e uma quantidade enorme de simbolismos.

Tudo acontece de maneira extremamente rápida.

Cenas absurdas aparecem sem aviso.

Personagens parecem exagerados.

A narrativa nem sempre explica imediatamente o que está acontecendo.

E isso faz parte da experiência.

FLCL não é necessariamente um anime para assistir esperando que tudo seja explicado de forma tradicional.

É uma obra que pode fazer mais sentido depois de uma segunda experiência.

Você assiste.

Estranha.

Ri.

Tenta entender.

E talvez, anos depois, perceba que aquela história estava falando justamente sobre crescer e deixar certas fases da vida para trás.

Poucos episódios.

Muitas ideias.

Made in Abyss: não julgue o anime pela aparência

Made in Abyss talvez seja um dos melhores exemplos de como uma aparência delicada pode esconder uma história muito mais pesada.

O visual apresenta personagens com características que podem fazer a obra parecer voltada para um público infantil.

Mas basta avançar na história para perceber que a proposta é outra.

O mundo do anime é construído ao redor de um enorme abismo cheio de regiões desconhecidas.

Quanto mais os personagens avançam, mais descobrem sobre aquele lugar.

E também mais perigos encontram.

A série mistura aventura, fantasia, mistério e elementos de horror.

O próprio mundo funciona quase como um personagem.

Existe beleza.

Existe curiosidade.

Mas também existe perigo.

E essa combinação cria uma atmosfera muito particular.

É um bom exemplo de que o visual de um anime nem sempre revela o tipo de história que existe por trás dele.

Your Lie in April: quando a música vira linguagem emocional

Your Lie in April utiliza a música como parte central de sua narrativa.

A história acompanha um jovem pianista que perdeu sua relação com a música depois de uma experiência traumática.

Sua vida começa a mudar quando ele conhece uma violinista com uma personalidade completamente diferente da sua.

A música passa então a representar mais do que apresentações.

Ela se transforma em uma maneira de os personagens expressarem sentimentos que muitas vezes não conseguem colocar em palavras.

E isso dá à série uma característica especial.

Uma apresentação musical pode carregar felicidade.

Medo.

Saudade.

Esperança.

Ou dor.

A música deixa de ser apenas trilha sonora e passa a fazer parte da própria narrativa.

Steins;Gate: quando a ficção científica começa devagar e depois acelera

Steins;Gate é um caso interessante.

No começo, a série pode parecer mais tranquila do que o esperado.

A história apresenta Okabe Rintarou, um jovem excêntrico que passa o tempo realizando experiências científicas improvisadas com seus amigos.

Aos poucos, porém, essas experiências começam a produzir consequências muito maiores do que eles imaginavam.

E é aí que a série muda de ritmo.

Viagens no tempo.

Paradoxos.

Consequências inesperadas.

Pressão psicológica.

Decisões difíceis.

O que parecia apenas uma história curiosa começa a ganhar um peso muito maior.

A construção inicial é importante justamente porque cria familiaridade com os personagens.

Quando as coisas começam a sair do controle, o espectador já se importa com eles.

E esse é um dos motivos pelos quais a segunda metade da história pode ser tão intensa.

“Steins;Gate fica bom logo no começo?”

Essa é uma dúvida bastante comum entre quem começa a série.

A resposta depende da expectativa.

Quem procura ação imediata pode achar o começo mais lento.

Mas os primeiros episódios existem para apresentar os personagens e construir o mundo.

Depois, a história muda consideravelmente de ritmo.

E é justamente essa preparação que faz determinados acontecimentos terem mais impacto.

O que esses animes têm em comum?

Apesar das enormes diferenças entre eles, existe uma característica interessante.

Nenhum precisa de centenas de episódios para apresentar sua proposta.

Cada um escolhe uma maneira diferente de usar o tempo disponível.

One Punch Man utiliza poucos episódios para brincar com os clichês dos animes de batalha.

Erased concentra sua história em mistério e tensão emocional.

Death Parade transforma episódios em situações que exploram o comportamento humano.

Toradora! desenvolve relações e amadurecimento.

Anohana trabalha luto e memória.

Violet Evergarden transforma pequenas experiências em grandes momentos emocionais.

FLCL aposta em simbolismo e velocidade.

Made in Abyss constrói um mundo misterioso e perigoso.

Your Lie in April utiliza música para expressar sentimentos.

Steins;Gate constrói lentamente uma história de ficção científica que ganha intensidade com o tempo.

Ou seja:

não existe uma fórmula única para fazer um anime curto funcionar.

O que existe é uma utilização mais concentrada do tempo.

Anime curto ou anime longo: qual escolher?

Não existe uma resposta universal.

Tudo depende do tipo de experiência que você está procurando.

Um anime longo pode ser perfeito para quem gosta de acompanhar personagens durante anos, explorar mundos enormes e mergulhar em histórias que continuam crescendo.

Um anime curto pode funcionar melhor quando você quer uma narrativa mais concentrada, conhecer uma nova obra ou simplesmente terminar uma história sem assumir um compromisso enorme.

É como escolher entre uma longa viagem e um fim de semana em outro lugar.

Uma não precisa ser melhor que a outra.

São experiências diferentes.

Por que os animes curtos combinam tanto com a rotina atual?

Aqui existe uma mudança importante na maneira como consumimos entretenimento.

Hoje, muitas pessoas dividem o tempo entre trabalho, estudos, família, redes sociais e outras atividades.

Começar uma série com centenas de episódios pode parecer uma decisão enorme.

Uma temporada de 12 episódios, por outro lado, parece muito mais acessível.

Você pode assistir alguns capítulos durante a semana.

Pode terminar em um fim de semana.

Pode descobrir um gênero diferente sem precisar investir meses.

Isso ajuda a explicar por que temporadas mais compactas se encaixam tão bem nos hábitos atuais de consumo.

Mas existe uma consequência interessante.

Quando o anime possui poucos episódios, cada momento pode ganhar mais peso.

Não há tanto espaço para simplesmente esperar a história voltar a ficar interessante.

Onde assistir animes legalmente?

Atualmente existem diversas plataformas que oferecem animes de maneira oficial, embora o catálogo varie de acordo com o país e possa mudar com o tempo.

Entre os serviços que possuem ou já possuem diferentes produções de anime estão:

Crunchyroll

Netflix

Prime Video

Disney+

Antes de começar uma série, vale conferir em qual plataforma ela está disponível na sua região.

Além de facilitar o acesso, assistir por meios oficiais ajuda a manter o mercado funcionando e contribui para que novas produções continuem sendo licenciadas e distribuídas.

Perguntas que quem procura um anime curto costuma fazer

Um anime curto consegue desenvolver personagens de verdade?

Consegue.

A quantidade de episódios não determina sozinha a profundidade de uma história. O que importa é como o tempo disponível é utilizado.

Anime curto é sempre melhor para maratonar?

Nem sempre.

Algumas séries possuem episódios mais pesados emocionalmente e funcionam melhor quando assistidas com pausas.

Todo anime curto tem apenas 12 ou 13 episódios?

Não.

Existem diferentes formatos e durações. Algumas produções possuem seis episódios, outras uma temporada de aproximadamente 12 ou 13 e outras têm estruturas diferentes.

Vale a pena começar por um anime curto?

Pode ser uma ótima maneira de experimentar uma obra sem assumir o compromisso de acompanhar uma série muito longa.

Principalmente para quem ainda está descobrindo quais gêneros prefere.

Poucos episódios, histórias que ficam

Talvez essa seja a parte mais interessante dos animes curtos.

Eles mostram que duração e impacto não são a mesma coisa.

Uma história pode levar anos para ser construída.

Outra pode terminar em poucos episódios.

E ambas podem deixar lembranças fortes.

Um anime curto pode fazer você rir em uma noite e pensar sobre determinada cena durante dias.

Pode apresentar um personagem em poucas horas e fazer você se importar com ele.

Pode terminar antes que você esteja preparado para dizer adeus.

E talvez seja justamente por isso que algumas dessas histórias permaneçam tanto tempo na memória.

No fim, não é a quantidade de episódios que determina o tamanho de uma experiência.

É o que acontece enquanto estamos assistindo.

Porque às vezes você só queria encontrar alguma coisa para assistir durante um fim de semana.

E acaba encontrando uma história que fica com você por muito mais tempo.

Pode ser o protagonista que você acompanhava quando era criança. O rival que começou como inimigo e acabou virando favorito. Ou até aquele personagem secundário que apareceu em menos episódios, mas conseguiu deixar uma impressão que nunca desapareceu.

Talvez você tenha passado horas imitando os golpes de Goku.

Talvez tenha acompanhado Naruto tentando provar seu valor.

Ou quem sabe tenha encontrado em Luffy, Vegeta, Kakashi, Edward Elric ou Light Yagami um personagem que, por algum motivo, ficou marcado na sua memória.

Essa é uma das características mais interessantes dos animes.

Seus personagens não precisam existir apenas dentro da história. Com o tempo, alguns deles acabam fazendo parte das lembranças de quem assistiu.

Eles aparecem em videogames, camisetas, coleções, cosplays, memes, eventos e discussões entre fãs. Alguns chegam ao ponto de serem reconhecidos até por pessoas que nunca acompanharam a obra de onde vieram.

Mas o que faz isso acontecer?

Quando um personagem deixa de ser apenas personagem e passa a ser uma referência para várias gerações?

Não existe uma resposta única.

E talvez seja justamente isso que torna essa discussão tão interessante.

Quando um personagem deixa de ser apenas personagem?

Ser protagonista não é suficiente para transformar alguém em ícone.

Também não basta ser poderoso.

Um personagem pode ter habilidades impressionantes e desaparecer da memória do público pouco tempo depois. Enquanto isso, outro pode não ser o mais forte da história, mas continuar sendo lembrado décadas depois.

A diferença geralmente está em algo mais difícil de construir.

Identidade.

Um personagem marcante precisa ter características que façam o público reconhecê-lo mesmo quando ele não está falando.

Goku tem sua busca constante por evolução.

Naruto carrega a necessidade de ser reconhecido.

Luffy coloca a liberdade no centro de sua jornada.

Vegeta transforma orgulho e rivalidade em parte de sua personalidade.

Light Yagami representa uma visão cada vez mais complicada sobre justiça e poder.

Edward Elric carrega culpa, responsabilidade e o desejo de corrigir seus erros.

Eles não são lembrados apenas pelo que conseguem fazer.

São lembrados pelo que representam.

Goku: o herói que transformou superação em símbolo

Falar sobre personagens que atravessaram gerações naturalmente nos leva até Goku.

Mas existe uma coisa interessante sobre ele.

Mesmo depois de enfrentar inimigos cada vez mais poderosos, Goku continua sendo apresentado como alguém que ainda quer aprender.

Ele treina.

Perde.

Volta mais preparado.

Encontra um adversário mais forte.

Treina novamente.

Essa estrutura poderia se tornar repetitiva, mas existe uma razão para ela funcionar tão bem: o público acompanha a evolução junto com o personagem.

Goku não representa apenas força.

Ele representa a ideia de que sempre existe alguma coisa além do limite atual.

Essa característica ajudou a fazer de Dragon Ball uma obra que atravessou diferentes gerações.

Para muita gente, lembrar de Goku significa lembrar também de uma época específica da própria infância ou adolescência.

E talvez esse seja um dos maiores sinais de que um personagem conseguiu marcar uma geração.

Naruto: o garoto que só queria ser reconhecido

A trajetória de Naruto Uzumaki começa de uma maneira muito diferente.

Ele não é apresentado como alguém admirado por todos.

Pelo contrário.

Naruto cresce carregando rejeição, solidão e a sensação de não ser compreendido pelas pessoas ao seu redor.

Por isso, sua busca por reconhecimento acaba sendo tão importante quanto suas batalhas.

O público não acompanha apenas alguém tentando ficar mais forte.

Acompanha alguém tentando provar que merece ser visto.

E essa é uma ideia extremamente fácil de entender.

Quem nunca sentiu que não estava sendo levado a sério?

Quem nunca quis mostrar que era capaz de fazer alguma coisa?

É justamente aí que Naruto encontra uma conexão tão forte com quem assiste.

Sua história transforma uma característica comum da adolescência — a vontade de encontrar seu lugar — em uma grande jornada de aventura.

Luffy: liberdade acima de tudo

Monkey D. Luffy segue outro caminho.

Ele não possui a mesma necessidade de reconhecimento de Naruto nem a obsessão por treinamento que marca Goku.

O que move Luffy é a liberdade.

Ele quer viver do seu jeito, viajar pelo mundo e alcançar seu sonho sem aceitar que outras pessoas decidam quem ele deve ser.

Essa personalidade ajuda a explicar seu enorme carisma.

Luffy não precisa parecer perfeito.

Ele pode ser impulsivo, engraçado, teimoso e até cometer erros.

E isso faz parte do personagem.

Ao mesmo tempo, existe uma característica que nunca desaparece: quando seus amigos precisam dele, Luffy está disposto a enfrentar consequências enormes.

É aí que One Piece transforma liberdade em algo maior do que simplesmente fazer o que quiser.

Para Luffy, ser livre também significa escolher por quem vale a pena lutar.

Vegeta: o rival que ganhou sua própria história

Poucos personagens mostram tão bem a capacidade de transformação de um rival quanto Vegeta.

Quando aparece em Dragon Ball, ele está muito distante da figura que muitos fãs conhecem hoje.

É um personagem agressivo, orgulhoso e disposto a fazer praticamente qualquer coisa para alcançar seus objetivos.

Só que a história não deixa Vegeta parado nesse ponto.

Ele continua orgulhoso.

Continua competitivo.

Continua querendo superar Goku.

Mas começa a desenvolver outras relações e responsabilidades.

Família, amizade e culpa passam a fazer parte de sua trajetória.

O interessante é que Vegeta não precisa abandonar sua personalidade para mudar.

Ele continua sendo Vegeta.

A diferença é que agora entendemos melhor o que existe por trás daquele orgulho.

E isso ajuda a explicar por que tantos fãs se identificaram com sua evolução.

Light Yagami: quando o protagonista começa a parecer o vilão

Nem todo personagem marcante precisa fazer o público torcer por ele.

Light Yagami, de Death Note, mostra exatamente o contrário.

No começo, sua visão parece simples: utilizar um poder extraordinário para eliminar criminosos e criar uma sociedade diferente.

Mas, conforme a história avança, essa ideia começa a ficar cada vez mais complicada.

Light passa a tomar decisões que levantam uma pergunta desconfortável:

Quando alguém acredita estar fazendo justiça, até onde essa pessoa pode chegar?

É isso que torna o personagem tão interessante.

O espectador pode admirar sua inteligência e, ao mesmo tempo, questionar suas escolhas.

Light não precisa ser um herói tradicional para prender a atenção.

Ele funciona justamente porque coloca o público diante de uma situação em que certo e errado deixam de parecer tão simples.

Edward Elric: força não significa ausência de medo

Edward Elric, de Fullmetal Alchemist, segue uma direção diferente.

Ele possui talento, conhecimento e habilidades importantes, mas não é apresentado como alguém emocionalmente invulnerável.

Edward sente raiva.

Sente culpa.

Tem medo.

Comete erros.

E precisa lidar com as consequências de suas decisões.

A história também coloca o personagem diante de temas pesados como perda, guerra, ciência, responsabilidade e sacrifício.

Isso faz com que sua jornada não dependa apenas de derrotar inimigos.

Existe também uma tentativa constante de reparar aquilo que foi perdido.

Edward mostra uma coisa importante:

um personagem não precisa ser invencível para ser forte.

Às vezes, a força está justamente em continuar seguindo em frente depois de reconhecer os próprios erros.

Pikachu: quando um personagem fica maior que o próprio anime

Se existe um personagem que merece uma categoria diferente, é Pikachu.

Ele não precisa de uma longa história de origem para ser reconhecido.

Basta sua aparência.

Mesmo quem nunca acompanhou Pokémon provavelmente já viu Pikachu em algum lugar.

Isso mostra uma diferença importante.

Alguns personagens se tornam famosos por causa da história que protagonizam.

Outros ultrapassam a própria obra e passam a funcionar como símbolos.

Pikachu pertence claramente a esse segundo grupo.

Sua imagem está associada a produtos, jogos, filmes, colecionáveis, eventos e diferentes gerações de fãs.

Ele deixou de ser apenas um personagem de Pokémon.

Virou uma representação visual de uma das franquias japonesas mais conhecidas da cultura pop.

Gojo: o personagem que nasceu na era da cultura pop digital

Se Goku representa uma geração que descobriu anime principalmente pela televisão, Satoru Gojo representa um período completamente diferente.

Sua popularidade cresceu em uma época em que um personagem pode ganhar enorme visibilidade através de vídeos curtos, memes, fanarts, discussões nas redes sociais e cenas compartilhadas milhões de vezes.

Gojo reúne vários elementos que chamam atenção imediatamente:

seu visual é fácil de reconhecer;

sua personalidade mistura confiança e humor;

seus poderes são apresentados de maneira visualmente marcante;

e existe uma diferença interessante entre sua postura descontraída e os conflitos mais sérios ao redor dele.

Essa combinação ajudou o personagem a ocupar um espaço enorme entre os fãs de Jujutsu Kaisen.

Gojo mostra como a forma de consumir anime também mudou.

Hoje, um personagem pode se tornar conhecido mesmo por alguém que ainda nem começou a assistir à obra.

Quando o coadjuvante rouba a cena

Existe outra característica muito comum nos animes:

às vezes, o personagem que não deveria ser o centro da história acaba conquistando uma parte enorme do público.

Kakashi Hatake é um ótimo exemplo.

Ele possui uma personalidade mais reservada, um passado cheio de acontecimentos importantes e uma relação bastante particular com seus alunos.

Não é necessário colocá-lo no centro de todos os episódios para que sua presença seja sentida.

O mesmo acontece com Roronoa Zoro.

Sua relação com Luffy e sua lealdade à tripulação ajudaram a transformar o espadachim em uma das figuras mais lembradas de One Piece.

E existe ainda Killua Zoldyck, de Hunter x Hunter.

Por trás de seu jeito aparentemente tranquilo, existe uma história marcada por pressão, medo e conflitos internos.

Esses personagens mostram que popularidade não depende apenas de tempo de tela.

Às vezes, basta uma personalidade bem construída e uma história que desperte curiosidade.

Por que os rivais costumam marcar tanto?

Talvez porque o rival tenha uma função diferente dentro da história.

Ele não existe apenas para ser derrotado.

Em muitos casos, representa aquilo que o protagonista poderia se tornar, aquilo que precisa superar ou até aquilo que ainda não consegue compreender.

Goku tem Vegeta.

Naruto tem Sasuke.

Em outras histórias, essa relação aparece de maneiras diferentes.

O rival cria contraste.

Enquanto um personagem mostra um caminho, o outro mostra uma alternativa.

E quando os dois mudam ao longo da história, a relação entre eles também muda.

É por isso que alguns dos melhores confrontos dos animes não são apenas batalhas.

São encontros entre duas formas diferentes de enxergar o mundo.

O que esses personagens têm em comum?

Goku, Naruto, Luffy, Vegeta, Light, Edward, Pikachu e Gojo são personagens muito diferentes.

Não existe uma fórmula capaz de colocá-los todos no mesmo molde.

Mesmo assim, algumas características aparecem com frequência.

Eles possuem identidade

Você consegue reconhecer quem são sem precisar de uma explicação enorme.

Eles mudam

Mesmo quando a personalidade central permanece, suas experiências deixam marcas.

Eles têm conflitos

Não são apenas máquinas de vencer batalhas.

Eles erram, perdem, duvidam e precisam tomar decisões.

Eles criam relações

Amigos, rivais, familiares e inimigos ajudam a revelar diferentes lados de cada personagem.

Eles deixam alguma coisa no público

Pode ser uma frase.

Uma cena.

Uma transformação.

Uma decisão.

Ou simplesmente uma sensação associada à época em que assistimos àquela história.

Esse último ponto talvez seja o mais importante.

Por que continuamos lembrando deles anos depois?

Porque personagens também podem se transformar em memória.

Uma pessoa pode assistir a uma luta de Goku hoje e lembrar da infância.

Pode rever uma cena de Naruto e lembrar de quando descobriu a série.

Pode ouvir uma música de One Piece e associá-la a uma determinada fase da vida.

É por isso que algumas histórias continuam importantes mesmo depois que terminamos de assisti-las.

Não significa necessariamente que a obra nunca envelheça.

Significa que a experiência de tê-la acompanhado ficou registrada na memória de quem assistiu.

E isso acontece muito com os animes.

Os personagens de anime também mudaram a cultura pop

A influência desses personagens não ficou limitada à televisão ou ao streaming.

Hoje eles aparecem em videogames, roupas, colecionáveis, eventos, ilustrações, memes, músicas e cosplays.

Também existe uma relação cada vez maior entre anime e games.

Personagens e universos inspirados pela estética dos animes aparecem constantemente em jogos eletrônicos, enquanto franquias de jogos ganham adaptações animadas e novas formas de conquistar seus fãs.

Essa troca mostra como a cultura geek ficou muito mais conectada.

Um fã pode conhecer um personagem pelo anime, encontrá-lo em um jogo, acompanhar uma discussão nas redes sociais e depois procurar produtos ou participar de um evento.

O personagem continua o mesmo.

Mas a maneira como ele chega até o público mudou completamente.

E os personagens da nova geração?

A geração atual também está criando figuras que já possuem forte presença entre os fãs.

Tanjiro Kamado, de Demon Slayer, combina determinação com uma forte preocupação com a família.

Denji, de Chainsaw Man, foge bastante do protagonista tradicional e possui desejos muito mais simples e humanos do que os grandes heróis costumam apresentar.

Yuji Itadori, de Jujutsu Kaisen, é colocado diante de situações em que salvar alguém nem sempre significa sair sem consequências.

Esses personagens mostram uma mudança interessante.

Os protagonistas modernos podem continuar tendo poderes extraordinários, mas suas histórias frequentemente colocam mais atenção em dúvidas, perdas, relações e consequências.

O herói perfeito já não é uma exigência.

Perguntas que os fãs sempre fazem

Um personagem precisa ser protagonista para ser icônico?

Não.

Rivais e personagens secundários também podem conquistar enorme espaço na memória dos fãs. Vegeta, Kakashi, Zoro e Killua são bons exemplos de personagens cuja importância ultrapassa sua posição original na história.

Por que alguns personagens permanecem populares durante décadas?

Normalmente porque possuem uma combinação forte de personalidade, trajetória, visual reconhecível e conexão emocional com o público.

Mas também existe um fator que não pode ser ignorado: a época em que cada pessoa conheceu aquele personagem.

Um personagem pode representar uma fase inteira da vida de alguém.

Por que os rivais são tão importantes?

Porque eles criam contraste com o protagonista. Muitas vezes, possuem objetivos diferentes, métodos diferentes e uma maneira própria de enxergar o mundo.

Isso torna a relação entre os dois mais interessante do que simplesmente “herói contra vilão”.

Por que alguns personagens secundários ficam mais famosos que protagonistas?

Porque presença não depende apenas de quantidade de cenas.

Uma personalidade marcante, uma boa história ou uma relação importante com o protagonista podem ser suficientes para criar uma conexão muito forte com o público.

O futuro dos personagens de anime

Os animes continuam criando personagens diferentes porque o próprio público também mudou.

Hoje existe espaço para protagonistas mais ambíguos, relações menos previsíveis e histórias que não precisam dividir todos os personagens entre heróis completamente bons e vilões completamente maus.

As redes sociais também modificaram a maneira como esses personagens se tornam populares.

Uma cena pode ser compartilhada milhões de vezes.

Uma fala pode virar meme.

Um visual pode gerar milhares de fanarts.

Um personagem pode ser descoberto antes mesmo de alguém assistir à série inteira.

Isso significa que os próximos grandes personagens podem surgir de maneiras completamente diferentes das gerações anteriores.

E provavelmente ainda veremos muitos deles.

No fim, todo fã tem aquele personagem

Depois de tantas décadas, os animes continuam apresentando novos mundos, novos protagonistas e novas histórias.

Mas existe uma coisa que permanece.

A capacidade de criar personagens que fazem o público sentir alguma coisa.

Goku pode lembrar alguém da infância.

Naruto pode lembrar uma fase em que era importante encontrar seu lugar.

Luffy pode representar liberdade.

Vegeta pode mostrar que uma pessoa pode mudar sem abandonar completamente quem é.

Edward pode lembrar que força também significa reconhecer os próprios erros.

Light pode fazer alguém questionar até onde vai uma ideia de justiça.

Pikachu pode ser simplesmente aquele personagem que todo mundo reconhece.

E Gojo representa uma geração que descobriu e compartilhou personagens de uma maneira completamente nova.

No final, talvez seja por isso que alguns personagens conseguem atravessar gerações.

Não é apenas porque são fortes.

Não é apenas porque são famosos.

E nem porque possuem o melhor visual.

É porque, em algum momento, eles fizeram parte da nossa história também.

E todo fã de anime, cedo ou tarde, acaba encontrando aquele personagem que nunca esquece.

2025 teve um pouco dos dois.

De um lado, tivemos nomes gigantes como Monster Hunter Wilds, Death Stranding 2 e DOOM: The Dark Ages. Do outro, jogos como Clair Obscur: Expedition 33 e Blue Prince provaram que ainda existe muito espaço para ideias diferentes.

E não foi só uma questão de quantidade de lançamentos. O mais interessante de 2025 foi a variedade.

Tivemos RPG medieval, aventura cooperativa, exploração, roguelike, caça a monstros, ação frenética e até jogos que simplesmente decidiram fazer as coisas de um jeito diferente.

Agora estamos em 2026 e já dá para olhar para aquela safra com outros olhos.

Alguns desses jogos continuam recebendo novidades. Outros chegaram a novas plataformas. E alguns simplesmente continuam sendo lembrados porque conseguiram fazer algo que chamou atenção mesmo em meio a tantos lançamentos.

Por isso, o Nerds Cultura separou 10 jogos que ajudaram a definir 2025 e que ainda têm motivos para aparecer no radar dos jogadores em 2026.

E aqui tem um detalhe importante: a ordem serve para organizar a matéria. Não existe uma tentativa de transformar gostos diferentes em uma verdade absoluta. Cada jogo entrou por um motivo próprio.

O que fez esses jogos se destacarem?

Em vez de montar uma lista apenas com os maiores nomes do mercado, a ideia foi olhar para aquilo que cada jogo conseguiu fazer de diferente.

Alguns chamaram atenção pela história. Outros pela jogabilidade. Outros simplesmente encontraram uma maneira diferente de trabalhar um gênero conhecido.

Também pesou o impacto que esses títulos tiveram durante 2025 e o que aconteceu com eles depois do lançamento.

A prova disso está na própria lista.

Tem jogo independente ao lado de superproduções, franquias conhecidas dividindo espaço com nomes novos e estilos completamente diferentes aparecendo na mesma seleção.

Então, vamos aos jogos.

1. Clair Obscur: Expedition 33 — A surpresa que tomou conta de 2025

Se existia um jogo capaz de representar a capacidade de uma nova franquia surpreender em 2025, Clair Obscur: Expedition 33 tinha todos os motivos para estar aqui.

Desenvolvido pela Sandfall Interactive, o jogo mistura RPG por turnos com elementos de ação em um mundo inspirado pela Belle Époque francesa.

Mas não é apenas o visual que chama atenção.

O combate permite que o jogador interaja com os ataques e defesas em tempo real, criando uma dinâmica diferente para um RPG tradicional por turnos.

A história também aposta em um universo cheio de mistérios, personagens marcantes e uma ameaça que dá identidade própria à aventura.

O reconhecimento foi enorme. No The Game Awards 2025, Clair Obscur: Expedition 33 venceu o prêmio de Jogo do Ano e também levou outros prêmios importantes, incluindo Direção, Narrativa, Direção de Arte, Trilha Sonora, RPG e Jogo Independente.

E o que aconteceu em 2026?

O jogo continuou recebendo atenção depois do lançamento, enquanto sua comunidade seguia explorando o universo criado pela Sandfall.

A própria desenvolvedora também manteve atualizações e novidades relacionadas ao jogo em seus canais oficiais.

O que faz esse jogo se destacar?

2025 mostrou que uma franquia nova não precisa chegar acompanhada de décadas de história para chamar atenção.

2. Blue Prince — O jogo em que cada porta pode mudar tudo

Blue Prince é provavelmente um dos títulos mais difíceis de explicar em poucas palavras.

Você chega à misteriosa propriedade Mount Holly esperando encontrar respostas. O problema é que a própria mansão funciona como um enorme quebra-cabeça.

Os cômodos mudam, as possibilidades são diferentes e cada escolha pode alterar o caminho da exploração.

Em vez de colocar o jogador diante de uma sequência tradicional de combates e missões, Blue Prince aposta na curiosidade.

Você observa.

Testa.

Anota.

Erra.

E tenta novamente.

É justamente essa estrutura que fez o jogo se destacar tanto entre os lançamentos de 2025.

E em 2026?

Blue Prince continuou recebendo atualizações e correções depois do lançamento, mantendo o jogo ativo para quem continuou explorando os mistérios de Mount Holly.

O diferencial está justamente aqui: Blue Prince lembra que nem todo game precisa colocar uma arma na mão do jogador para conseguir prender sua atenção.

3. Split Fiction — Quando jogar sozinho simplesmente não é a ideia

A Hazelight já tinha mostrado sua habilidade com experiências cooperativas em It Takes Two. Em 2025, o estúdio voltou com uma proposta ainda mais maluca.

Split Fiction coloca duas pessoas no controle de Mio e Zoe, duas escritoras presas em uma simulação que mistura ficção científica e fantasia.

E o jogo foi construído em torno dessa parceria.

Enquanto uma situação pode colocar os jogadores em um cenário futurista, poucos minutos depois a aventura pode mudar completamente de direção.

Novas mecânicas aparecem constantemente, fazendo com que os dois jogadores precisem prestar atenção no que está acontecendo.

Outro detalhe interessante é o Friend’s Pass: uma pessoa pode comprar o jogo e convidar outra para participar da aventura cooperativa.

E em 2026?

O jogo continua disponível no PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2.

É aí que o jogo ganha espaço nesta seleção: Split Fiction não trata o multiplayer como um detalhe.

A cooperação é o próprio coração do jogo.

4. Kingdom Come: Deliverance II — Um RPG medieval que não quer facilitar sua vida

Esqueça cavaleiros invencíveis derrotando dezenas de inimigos sem pensar duas vezes.

Kingdom Come: Deliverance II segue outro caminho.

O RPG da Warhorse Studios aposta em um mundo medieval mais pé no chão, com combates que exigem atenção, escolhas que possuem consequências e uma progressão que faz o jogador realmente sentir que está vivendo dentro daquele período.

Henry continua sendo o protagonista, mas agora sua jornada acontece em uma aventura maior, com novas regiões, personagens e conflitos.

O jogo também continuou recebendo conteúdo depois do lançamento, com expansões como Brushes with Death, Legacy of the Forge e Mysteria Ecclesiae fazendo parte do passe de expansão.

E 2026?

O jogo também ganhou espaço na comunidade de PC por meio de projetos criados por jogadores, incluindo iniciativas que experimentam novas formas de explorar o mundo do RPG.

Esse é o ponto que faz o título se destacar: Kingdom Come: Deliverance II não tenta transformar a Idade Média em um parque de diversões.

Ele quer que você aprenda a sobreviver naquele mundo.

5. Death Stranding 2: On the Beach — Kojima novamente fazendo do seu jeito

Poucos jogos conseguem dividir opiniões simplesmente por existirem.

Death Stranding 2 é um deles.

Hideo Kojima voltou a trabalhar com a ideia de uma aventura que mistura exploração, ação, ficção científica e uma história difícil de explicar sem entregar spoilers.

Sam Porter Bridges está de volta, mas desta vez a jornada vai além do cenário conhecido do primeiro jogo.

O título também expandiu algumas das possibilidades de exploração e combate, mantendo aquela mistura estranha de momentos silenciosos com situações completamente fora do esperado.

O que mudou em 2026?

Uma das principais novidades foi a chegada ao PC.

Death Stranding 2: On the Beach foi lançado para PC em 19 de março de 2026, ampliando o público que pode acompanhar a nova jornada de Sam.

Isso ajudou a manter o jogo em evidência durante 2026.

E é justamente essa liberdade criativa que coloca o jogo na lista: Death Stranding 2 continua fazendo uma pergunta que poucos grandes lançamentos costumam fazer:

“E se fizéssemos tudo de outro jeito?”

6. Monster Hunter Wilds — A caça ficou ainda maior

Monster Hunter Wilds chegou em 2025 carregando uma das franquias mais conhecidas da Capcom.

Mas seu grande diferencial está justamente na forma como o mundo interfere nas caçadas.

Os ambientes mudam, os monstros interagem entre si e o jogador precisa observar o território antes de simplesmente partir para o ataque.

A sensação é menos de entrar em uma arena e mais de realmente acompanhar uma criatura em seu habitat.

E o que vem em 2027?

Aqui está uma das grandes novidades que continuaram movimentando o jogo em 2026.

A Capcom anunciou Monster Hunter Wilds: Ascendance, uma grande expansão prevista para 2027.

Ela vai adicionar novas áreas, monstros, história, novas ações para as armas e o Master Rank.

Em setembro de 2026, novos detalhes também foram revelados, incluindo o monstro Araketa, o Dragão Ancião Gundoraja e novas mecânicas de combate.

O que coloca Wilds nesta seleção?

A maneira como cada caçada depende não apenas do monstro, mas também do ambiente ao redor.

7. Donkey Kong Bananza — Donkey Kong ganhou um mundo para destruir

A Nintendo pegou Donkey Kong e fez uma pergunta simples:

E se ele pudesse destruir praticamente tudo ao redor?

A resposta foi Donkey Kong Bananza.

O jogo usa a destruição como parte central da exploração. Paredes, terrenos e obstáculos deixam de ser apenas elementos do cenário e passam a fazer parte da própria jogabilidade.

E isso muda completamente a maneira como você pensa em cada área.

O jogo continuou recebendo novidades em 2026

A Nintendo lançou atualizações para corrigir problemas e melhorar a experiência, enquanto conteúdos adicionais também ampliaram o que os jogadores podem fazer no game.

O DLC DK Island & Emerald Rush também adicionou novas possibilidades para quem já tinha terminado a campanha principal.

É aqui que Bananza ganha personalidade: a destruição deixou de ser apenas um efeito visual e virou uma das principais ferramentas do jogador.

8. DOOM: The Dark Ages — E se DOOM fosse medieval?

Essa foi uma das ideias mais curiosas de 2025.

DOOM: The Dark Ages pega a fórmula conhecida da franquia e coloca o Slayer em um cenário medieval sombrio.

Só que a mudança não ficou apenas na aparência.

O combate também foi remodelado.

O escudo ganhou importância, os ataques passaram a exigir mais leitura dos inimigos e o jogo encontrou maneiras diferentes de manter o ritmo de DOOM sem simplesmente copiar DOOM Eternal.

2026 trouxe uma expansão enorme

Em 7 de julho de 2026, chegou DOOM: The Dark Ages – Revelações.

A expansão adicionou seis fases de campanha, novos inimigos, novos desafios e a Lança com Corrente, uma arma que muda novamente as possibilidades de combate do Slayer.

Ou seja: quem terminou o jogo em 2025 ganhou um motivo concreto para voltar em 2026.

A grande sacada foi justamente essa: transformar DOOM em uma guerra medieval parecia uma ideia estranha no papel.

No jogo, ela ganhou identidade própria.

9. Hades II — A sequência que não ficou presa ao primeiro jogo

Fazer uma sequência de Hades seria fácil se a ideia fosse apenas repetir a fórmula.

A Supergiant Games decidiu não seguir esse caminho.

Em Hades II, o jogador assume o controle de Melinoë, princesa do Submundo que parte para enfrentar Cronos, o Titã do Tempo.

O jogo mantém a estrutura roguelike que tornou o primeiro título conhecido, mas apresenta novas armas, personagens, poderes e uma protagonista diferente.

A versão 1.0 chegou em setembro de 2025 para PC e Nintendo Switch, e 2026 trouxe outra etapa importante.

Agora também no PlayStation e Xbox

Em 14 de abril de 2026, Hades II chegou ao PlayStation 5 e Xbox Series X|S.

A chegada aos consoles ampliou o público da sequência e veio acompanhada de novos conteúdos e melhorias.

Atualmente, o jogo está disponível em várias plataformas, incluindo Steam, Epic Games Store, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S e PlayStation 5.

É esse crescimento que faz a sequência continuar relevante: Hades II conseguiu expandir a fórmula sem simplesmente tentar ser uma cópia maior do primeiro jogo.

10. Hollow Knight: Silksong — Depois de tanta espera, Hornet finalmente chegou

Durante anos, Silksong foi praticamente uma lenda entre os jogadores.

Memes, teorias, rumores e incontáveis apresentações depois, a sequência finalmente chegou em 2025.

Desta vez, Hornet assume o protagonismo e deixa Hallownest para explorar um reino completamente novo.

A estrutura continua baseada em exploração, combate e descoberta, mas o jogo apresenta novas áreas, inimigos, ferramentas e desafios.

E a aventura ainda não acabou

A Team Cherry confirmou que uma grande expansão gratuita está em desenvolvimento.

Chamado Sea of Sorrow, o conteúdo terá novas áreas, chefes e ferramentas e está previsto para 2026.

O jogo também está disponível em diferentes plataformas, incluindo PlayStation 4 e PlayStation 5.

E é justamente aí que ele entra na lista: depois de tantos anos de espera, Silksong finalmente deixou de ser uma promessa e virou um jogo que os jogadores realmente podem jogar.

O que ficou de 2025?

Olhando para esses dez jogos juntos, fica difícil apontar apenas uma direção para os games de 2025.

E talvez essa seja justamente a parte mais interessante.

Clair Obscur mostrou uma nova franquia conquistando espaço.

Blue Prince provou que exploração e mistério ainda conseguem prender o jogador sem depender de combate tradicional.

Split Fiction colocou a cooperação no centro da aventura.

Kingdom Come: Deliverance II apostou em um RPG medieval mais detalhado.

Death Stranding 2 continuou seguindo seu próprio caminho.

Monster Hunter Wilds levou a caça para um mundo ainda maior.

Donkey Kong Bananza transformou destruição em mecânica.

DOOM: The Dark Ages reinventou a fórmula do Slayer.

Hades II mostrou como uma sequência pode expandir uma ideia conhecida.

E Silksong finalmente transformou anos de espera em uma aventura completa.

Não existe uma única fórmula ligando todos eles.

E é justamente isso que deixa a seleção interessante.

Outros jogos de 2025 que também merecem ser lembrados

Uma lista com apenas dez jogos inevitavelmente deixa alguns nomes de fora.

Entre os títulos que também fizeram parte da conversa em 2025 estão Mario Kart World, Ninja Gaiden: Ragebound e vários outros lançamentos que dividiram espaço durante um ano bastante movimentado.

O objetivo aqui não é dizer que esses dez foram os únicos jogos importantes de 2025.

A proposta é mostrar títulos que representam momentos diferentes daquele ano.

Por que essa lista ainda faz sentido em 2026?

Porque alguns jogos simplesmente não desaparecem quando termina o ano de lançamento.

Death Stranding 2 chegou ao PC.

Hades II ganhou versões para PlayStation e Xbox.

DOOM: The Dark Ages recebeu uma expansão de campanha.

Monster Hunter Wilds está se preparando para uma grande expansão em 2027.

Silksong já tem novo conteúdo planejado.

E outros continuam recebendo atualizações e sendo descobertos por novos jogadores.

Isso muda a maneira como podemos olhar para uma lista de jogos de um determinado ano.

Não é apenas sobre o que aconteceu no momento do lançamento.

Também é sobre aquilo que continua sendo discutido, jogado e expandido depois.

Talvez a melhor maneira de lembrar 2025 seja esquecer por alguns minutos a ideia de escolher um único “melhor jogo”.

O ano foi interessante justamente porque colocou propostas completamente diferentes lado a lado.

Um RPG francês com combate por turnos virou uma das grandes surpresas do ano.

Uma mansão virou um gigantesco quebra-cabeça.

Duas escritoras transformaram a cooperação em regra.

Donkey Kong ganhou um mundo praticamente feito para ser destruído.

O Slayer foi parar em uma guerra medieval.

E Hornet finalmente saiu do campo das promessas e chegou às mãos dos jogadores.

Enquanto isso, 2026 mostrou que vários desses jogos ainda tinham história para contar.

Alguns ganharam novas plataformas. Outros receberam atualizações ou expansões. E alguns já estão preparando o terreno para o que vem depois.

No fim, é isso que torna essa lista tão interessante para o Nerds Cultura.

Não são dez jogos escolhidos apenas porque apareceram em uma lista de lançamentos.

São dez jogos que ajudam a contar como foi 2025 no mundo dos games, cada um usando uma linguagem completamente diferente.

E agora queremos saber a sua opinião:

Qual jogo de 2025 você colocaria nessa lista?

E tem algum que você ainda não jogou, mas pretende conhecer em 2026?

Conta para a gente nos comentários.

É justamente aí que os jogos de ação e aventura se destacam.

O gênero consegue juntar combate, exploração, personagens marcantes e histórias que fazem o jogador querer descobrir o que vem depois. E não existe apenas uma maneira de fazer isso. Alguns títulos apostam em mundos gigantescos, outros preferem uma campanha mais cinematográfica, enquanto alguns simplesmente encontram uma maneira diferente de fazer você se perder naquele universo.

Nesta seleção do Nerds Cultura, reunimos jogos que representam diferentes momentos e estilos dentro da ação e aventura.

Tem mundo aberto, aventura cinematográfica, super-heróis, samurais, mitologia, ficção científica e até uma experiência em que fazer entregas se transforma em uma jornada completamente fora do comum.

Não é um ranking de melhores jogos.

A ideia é mostrar títulos que todo fã de games deveria conhecer pelo menos uma vez, seja pela influência que tiveram, pela maneira como jogam ou pelas experiências que conseguiram criar.

The Legend of Zelda: Breath of the Wild

Plataformas: Nintendo Switch e Nintendo Switch 2

Se existe uma palavra que combina com Breath of the Wild, ela é liberdade.

Hyrule não fica simplesmente esperando o jogador seguir uma sequência de missões. Desde os primeiros momentos, o jogo permite escolher diferentes caminhos e descobrir o mundo no seu próprio ritmo.

Quer subir uma montanha? Dá.

Quer atravessar uma região desconhecida? Também.

Encontrou alguma coisa interessante no horizonte e decidiu abandonar a missão principal para investigar? O jogo praticamente incentiva isso.

A física e os elementos do ambiente também fazem parte da diversão. É possível experimentar diferentes soluções para obstáculos, usar o clima a seu favor, cozinhar, explorar santuários e encontrar equipamentos espalhados pelo mapa.

E existe uma característica que faz toda diferença: o jogo recompensa a curiosidade.

Você vê alguma coisa distante e pensa:

“O que será que tem ali?”

Muitas vezes, vale a pena descobrir.

Em 2025, Breath of the Wild recebeu uma edição para Nintendo Switch 2 com melhorias técnicas e recursos adicionais.

É uma aventura que mostra como um mundo aberto pode ser muito mais interessante quando o jogador realmente sente que tem liberdade para explorá-lo.

God of War Ragnarök

Plataformas: PlayStation 4, PlayStation 5 e PC

Kratos ficou conhecido durante anos pela violência e pela fúria.

Mas a nova fase de God of War mostrou outro lado do personagem.

Em God of War Ragnarök, a relação entre Kratos e Atreus está no centro da aventura. Enquanto os dois enfrentam acontecimentos ligados ao Ragnarök e aos deuses da mitologia nórdica, também precisam lidar com conflitos familiares e decisões difíceis.

É aí que o jogo consegue equilibrar duas coisas muito diferentes.

De um lado, temos machados, lâminas, criaturas gigantes e batalhas contra figuras da mitologia.

Do outro, existem conversas mais tranquilas, momentos de descoberta e a relação entre pai e filho.

O combate também recebeu novas possibilidades, permitindo que o jogador alterne entre diferentes armas e habilidades durante os confrontos.

Mas talvez o maior destaque seja justamente a maneira como a aventura consegue fazer o jogador se importar com os personagens entre uma batalha e outra.

Ragnarök não é apenas uma jornada para salvar os nove reinos.

É também uma história sobre tentar entender o próprio destino.

Red Dead Redemption 2

Plataformas: PC, PlayStation 4 e Xbox One

Poucos mundos abertos conseguem passar uma sensação de vida tão forte quanto Red Dead Redemption 2.

A história acompanha Arthur Morgan, integrante da gangue Van der Linde, durante um período em que o Velho Oeste começa a desaparecer.

Mas o jogador não precisa correr de missão em missão.

Pode simplesmente montar no cavalo e sair explorando.

No caminho, pode encontrar animais, outros personagens, pequenos acontecimentos ou situações que não estavam planejadas para aquela jornada.

O jogo também dá muita atenção aos detalhes.

As cidades possuem suas próprias rotinas, os personagens reagem às ações de Arthur e o ambiente muda conforme o jogador se desloca pelo mapa.

Isso faz com que algumas das melhores lembranças da aventura nem estejam relacionadas às missões principais.

Talvez você tenha parado para pescar.

Talvez tenha passado horas explorando uma região.

Ou talvez tenha começado uma missão secundária e esquecido completamente o que estava fazendo antes.

Red Dead Redemption 2 é um ótimo exemplo de como um mundo aberto pode transformar a exploração em parte fundamental da aventura.

Assassin’s Creed Valhalla

Plataformas: PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One e Xbox Series X|S

A franquia Assassin’s Creed já levou os jogadores para diferentes momentos da história, mas Valhalla mergulha de cabeça no universo dos vikings.

Você controla Eivor, que deixa a Noruega com seu clã e parte para a Inglaterra em busca de um novo lugar para viver.

A aventura mistura combate, exploração, invasões, alianças e desenvolvimento do assentamento.

Isso faz com que o progresso de Eivor não aconteça apenas por meio das missões principais.

O assentamento também cresce conforme a aventura avança, criando a sensação de que o jogador está construindo algo.

As invasões, por sua vez, colocam grupos de guerreiros contra fortalezas e oferecem alguns dos momentos mais caóticos da campanha.

Outro ponto interessante é a forma como o jogo utiliza diferentes acontecimentos históricos e personagens da época dentro de sua própria narrativa.

Valhalla é uma escolha interessante para quem gosta de jogos que combinam exploração de mundo aberto com elementos de RPG e uma ambientação histórica.

Marvel’s Spider-Man

Plataformas: PlayStation 4, PlayStation 5 e PC

Se você sempre quis saber como seria atravessar Nova York balançando entre os prédios, Marvel’s Spider-Man praticamente responde essa pergunta.

E o melhor: atravessar a cidade é divertido.

O sistema de movimentação é um dos grandes destaques do jogo. Peter Parker pode lançar suas teias, ganhar velocidade, mudar de direção e passar rapidamente entre os edifícios.

O combate segue a mesma proposta.

Spider-Man não luta como um personagem pesado. Ele se movimenta rapidamente, utiliza as teias, aproveita objetos do cenário e combina golpes de diferentes maneiras.

A aventura também não esquece que existe uma pessoa por trás da máscara.

Peter precisa lidar com problemas pessoais, trabalho, responsabilidades e a dificuldade de equilibrar sua vida com o papel de super-herói.

A versão Marvel’s Spider-Man Remastered está disponível para PS5 e PC.

Para quem gosta de super-heróis, é uma experiência especialmente interessante porque não se limita a contar uma história do Homem-Aranha.

Ela tenta fazer o jogador sentir como é se movimentar pela cidade como ele.

Horizon Forbidden West

Plataformas: PlayStation 4, PlayStation 5 e PC

Máquinas gigantes em forma de animais dominam um mundo pós-apocalíptico.

Essa é uma das primeiras coisas que chama atenção em Horizon Forbidden West.

Aloy retorna para investigar uma nova ameaça e acaba explorando regiões ainda maiores, passando por desertos, florestas, áreas costeiras e ambientes submersos.

Mas o que deixa a aventura interessante não é apenas o tamanho do mapa.

É a maneira como as máquinas funcionam.

Cada uma possui características próprias e exige diferentes estratégias.

Uma criatura pode obrigar o jogador a procurar pontos fracos, enquanto outra pode exigir uma abordagem completamente diferente.

Isso faz com que a exploração esteja diretamente ligada ao combate.

Você não está apenas passeando por um mundo bonito.

Está descobrindo como aquele mundo funciona.

E quanto mais Aloy descobre sobre as máquinas e sobre o passado da humanidade, maior fica a sensação de que existe algo muito maior por trás daquele cenário.

The Last of Us Part II

Plataformas: PlayStation 4, PlayStation 5 e PC

Alguns jogos querem fazer você se divertir.

The Last of Us Part II também quer fazer você pensar sobre aquilo que está acontecendo.

A história acompanha Ellie em uma jornada marcada por perda, violência e vingança.

Mas a narrativa não apresenta seus personagens de maneira simples.

Conforme a aventura avança, diferentes perspectivas são mostradas e acontecimentos anteriores passam a ser vistos de outra maneira.

Isso cria uma experiência bastante diferente dentro do gênero.

A jogabilidade também combina combate, furtividade e exploração.

O jogador pode se esconder, utilizar o ambiente, escolher diferentes armas e decidir como enfrentar determinadas situações.

A versão The Last of Us Part II Remastered trouxe melhorias para PS5 e PC, além de conteúdos adicionais como o modo Sem Volta.

É um jogo que pode provocar opiniões diferentes entre os jogadores, mas certamente é um exemplo importante de como uma aventura pode utilizar gameplay e narrativa para trabalhar temas mais pesados.

Uncharted 4: A Thief’s End

Plataformas: PlayStation 4, PlayStation 5 e PC

Se você gosta de aventuras com perseguições, tesouros escondidos, ruínas antigas e cenas que parecem ter saído de um filme, Uncharted 4 é praticamente obrigatório.

Nathan Drake retorna para mais uma caça ao tesouro, dessa vez envolvendo seu irmão Sam.

A campanha passa por diferentes lugares e mistura exploração, tiroteios, escaladas, puzzles e grandes sequências de ação.

Mas existe algo que diferencia Uncharted 4 de muitos jogos de mundo aberto.

Ele não precisa entregar um mapa gigantesco para criar sensação de aventura.

Cada cenário é cuidadosamente construído para levar o jogador de uma situação para outra.

Uma escalada pode virar uma perseguição.

Uma exploração tranquila pode terminar em um tiroteio.

Uma descoberta pode abrir caminho para outro mistério.

A aventura funciona quase como um filme de ação no qual você segura o controle.

Uncharted 4 faz parte da Legacy of Thieves Collection, que também reúne The Lost Legacy.

Ghost of Tsushima

Plataformas: PlayStation 4, PlayStation 5 e PC

Poucos jogos conseguem criar uma identidade visual tão forte quanto Ghost of Tsushima.

A aventura acompanha Jin Sakai durante a invasão mongol à ilha de Tsushima.

Como samurai, Jin foi treinado para enfrentar seus inimigos seguindo determinados princípios.

Mas a guerra exige que ele encontre novas maneiras de lutar.

É daí que nasce um dos conflitos mais interessantes do jogo.

Até onde alguém pode abandonar suas próprias tradições para proteger aquilo que ama?

No combate, Jin pode enfrentar inimigos diretamente com sua katana ou utilizar furtividade para eliminar adversários sem ser percebido.

A exploração também merece destaque.

Em vez de depender o tempo inteiro de uma interface cheia de marcadores, o jogo utiliza o vento e elementos naturais para ajudar o jogador a encontrar seu caminho.

Campos de flores, florestas, templos e montanhas tornam a simples caminhada pelo mapa uma parte importante da experiência.

É uma aventura que consegue unir combate, exploração e uma estética inspirada no cinema samurai.

Death Stranding

Plataformas: PlayStation e PC

Agora chegamos ao jogo mais diferente da seleção.

Death Stranding, criado por Hideo Kojima, não tenta seguir exatamente o modelo tradicional de ação e aventura.

Você controla Sam Porter Bridges, responsável por atravessar um mundo devastado realizando entregas e tentando reconectar comunidades isoladas.

Sim, entregar cargas é uma das principais atividades do jogo.

E é justamente aí que está sua proposta.

O terreno importa.

A quantidade de carga importa.

A escolha do caminho importa.

Uma montanha pode parecer simples de atravessar até você perceber que está carregando equipamentos pesados.

O jogo também apresenta uma forma diferente de interação entre jogadores.

É possível encontrar estruturas deixadas por outras pessoas e construir recursos que poderão ajudar jogadores desconhecidos.

Não é uma experiência tradicional de multiplayer.

É uma ideia de conexão indireta que combina com o próprio tema do jogo.

Death Stranding pode não funcionar da mesma maneira para todos os jogadores, mas sua proposta é tão diferente que acabou se tornando uma das experiências mais particulares da geração.

O que esses jogos têm em comum?

À primeira vista, eles parecem completamente diferentes.

Um coloca Link em um enorme mundo de fantasia.

Outro acompanha um pistoleiro no Velho Oeste.

Temos vikings, samurais, super-heróis, máquinas gigantes, mitologia nórdica e até um entregador atravessando um mundo destruído.

Mas existe algo ligando todas essas experiências.

A sensação de aventura.

Todos eles dão ao jogador algum motivo para continuar avançando.

Às vezes é descobrir o que existe depois de uma montanha.

Às vezes é saber como uma história vai terminar.

Em outras situações, é simplesmente encontrar uma nova região e descobrir o que ela esconde.

E é justamente essa capacidade de despertar curiosidade que faz o gênero continuar tão forte.

O que esperar dos próximos jogos de ação e aventura?

O gênero continua se misturando cada vez mais com outros estilos.

Elementos de RPG, sobrevivência, furtividade, exploração e personalização aparecem em jogos que antes seriam classificados simplesmente como ação e aventura.

Os mundos também estão ficando mais detalhados e interativos.

Mas existe uma questão importante para os próximos anos: não basta aumentar o tamanho dos mapas.

Os jogadores também querem motivos para explorar esses espaços.

Uma área enorme e vazia pode impressionar durante alguns minutos.

Um mundo que reage, surpreende e recompensa a curiosidade consegue permanecer interessante por muito mais tempo.

A tecnologia, incluindo avanços em inteligência artificial, iluminação, física e processamento, pode ajudar nessa evolução.

Mas a tecnologia será apenas uma ferramenta.

A criatividade continuará sendo o que diferencia uma aventura esquecível de uma experiência que permanece na memória.

Os jogos de ação e aventura podem ter mudado bastante ao longo dos anos, mas continuam tendo uma característica em comum: fazem o jogador querer descobrir o que vem depois.

Foi assim com os grandes clássicos.

Foi assim quando os mundos abertos ganharam força.

E continua sendo assim nos grandes lançamentos modernos.

Alguns jogos impressionam pela liberdade.

Outros pela história.

Alguns pelo combate.

E existem aqueles que simplesmente encontram uma maneira completamente diferente de fazer as coisas.

É por isso que não existe apenas um tipo de grande aventura.

Existe a aventura que combina com cada jogador.

Agora queremos saber:

qual desses jogos já faz parte da sua história como gamer?

E qual outro você colocaria nessa seleção?

Conta nos comentários do Nerds Cultura.

O curioso é que essas histórias nasceram em um país específico, mas há muito tempo deixaram de pertencer apenas ao Japão.

Hoje, os animes fazem parte da cultura pop mundial. Estão presentes no cinema, nos serviços de streaming, nos videogames, nas redes sociais, nas convenções e até em produções que não têm nenhuma relação direta com a animação japonesa.

Mas essa expansão não aconteceu de uma hora para outra.

Foram décadas de experimentação, mudanças na indústria, personagens marcantes e histórias que encontraram público muito além das fronteiras japonesas.

E para entender como chegamos até aqui, vale voltar ao começo.

Antes do anime existir, já havia uma tradição de contar histórias com imagens

Antes de a palavra “anime” se tornar conhecida no mundo inteiro, o Japão já possuía uma longa relação com ilustrações, histórias visuais e formas de entretenimento baseadas em imagens.

A animação japonesa começou a se desenvolver no início do século XX, em um período em que o cinema de animação também estava dando seus primeiros passos em outros países.

Os primeiros trabalhos japoneses eram simples quando comparados às produções atuais. Muitos eram curtos e utilizavam técnicas bastante limitadas, principalmente por causa dos recursos disponíveis naquela época.

Ainda assim, havia algo importante acontecendo.

Os artistas japoneses começaram a experimentar maneiras próprias de contar histórias por meio da animação. Influências estrangeiras existiam, mas não demorou para que surgissem características que ajudariam a formar uma identidade diferente.

O anime ainda não tinha a aparência que conhecemos hoje.

Mas suas primeiras peças já estavam sendo colocadas no lugar.

A influência estrangeira entrou pela porta da frente

Seria impossível contar a história da animação japonesa sem falar da influência de outros países.

As produções americanas tiveram grande importância durante o desenvolvimento inicial da indústria japonesa. Disney, por exemplo, chamou atenção de artistas japoneses com seus longas e curtas de animação.

Mas copiar não era o único caminho.

Com o passar do tempo, os profissionais japoneses começaram a adaptar técnicas estrangeiras às próprias necessidades. Como os estúdios trabalhavam com orçamentos e prazos diferentes dos grandes estúdios americanos, era necessário encontrar soluções mais econômicas.

Foi aí que a limitação acabou estimulando a criatividade.

Movimentos eram economizados. Quadros eram reaproveitados. Cenas recebiam mais destaque por meio de enquadramentos, expressões faciais e efeitos visuais.

Essa maneira de produzir acabou contribuindo para uma linguagem própria.

O anime começava a descobrir que não precisava competir com a animação ocidental seguindo exatamente as mesmas regras.

1963: Astro Boy muda o jogo

Um dos grandes pontos de virada aconteceu em 1963, quando Astro Boy, criado por Osamu Tezuka, chegou à televisão japonesa.

Tezuka já era conhecido pelo trabalho nos mangás e teve papel fundamental na transformação da animação televisiva japonesa.

Astro Boy ajudou a mostrar que era possível levar uma história serializada para a televisão utilizando um modelo de produção mais econômico.

E havia outro detalhe importante: os personagens não precisavam viver apenas aventuras isoladas.

Eles podiam crescer, enfrentar problemas, criar relações e retornar semana após semana.

Essa lógica ajudou a aproximar anime e mangá, duas áreas que passariam a caminhar cada vez mais juntas.

Astro Boy também seria importante para a expansão internacional da animação japonesa, ajudando a abrir espaço para que outras produções fossem exibidas fora do Japão.

A indústria ainda estava longe de ser gigantesca.

Mas já havia encontrado um caminho.

Speed Racer e o começo da viagem para fora do Japão

Poucos anos depois, outra produção ajudaria a apresentar a animação japonesa a uma audiência internacional: Speed Racer, conhecido originalmente como Mach GoGoGo.

Com carros velozes, corridas exageradas e personagens facilmente reconhecíveis, a série encontrou espaço na televisão de outros países.

Para muitos espectadores ocidentais, aquele estilo visual diferente era uma novidade.

Na época, porém, ninguém poderia imaginar que produções japonesas acabariam ocupando um espaço tão grande na cultura pop mundial.

O processo seria gradual.

Alguns títulos apareceriam na televisão. Outros chegariam por fitas VHS. Mais tarde, seriam os DVDs, os fóruns da internet, os fansubs e, finalmente, as plataformas digitais.

Cada geração encontraria uma nova maneira de descobrir os animes.

Os anos 70 começaram a ampliar o que um anime poderia ser

Durante os anos 1970, a animação japonesa começou a explorar uma variedade ainda maior de histórias.

Um dos grandes exemplos foi Mobile Suit Gundam, lançado em 1979.

A série apresentou robôs gigantes dentro de uma narrativa que ia muito além da simples batalha entre máquinas.

Havia conflitos políticos, guerras, relações humanas e personagens que precisavam lidar com as consequências de suas escolhas.

Esse tipo de abordagem ajudou a mostrar que anime poderia tratar temas mais complexos sem abandonar a ação e o entretenimento.

Ao mesmo tempo, diferentes públicos começaram a ganhar produções próprias.

Histórias de romance, ficção científica, aventura, comédia e fantasia passaram a ocupar espaços cada vez maiores.

O anime começava a deixar claro que não existia apenas uma maneira de contar uma história por meio da animação.

Os anos 80 colocaram o anime em outro patamar

Se os anos 70 ajudaram a ampliar os horizontes, a década seguinte seria decisiva para a evolução estética e narrativa do anime.

Os anos 1980 trouxeram produções que marcaram profundamente a cultura japonesa e ajudaram a aumentar o interesse internacional.

Foi também nesse período que o cinema de animação japonesa ganhou uma força especial.

Dragon Ball transforma a batalha em uma jornada

Quando Dragon Ball estreou em 1986, a história criada por Akira Toriyama começou de maneira bastante diferente daquela que muitos fãs conheceriam posteriormente.

Goku era uma criança curiosa vivendo aventuras em busca das Esferas do Dragão.

Com o passar dos episódios, porém, a série cresceu junto com seu protagonista.

Vieram novos inimigos, torneios, transformações, treinamentos e batalhas cada vez maiores.

Quando Dragon Ball Z chegou no final dos anos 1980, a franquia já tinha encontrado uma fórmula capaz de prender o público por longos períodos.

O segredo não estava apenas nas lutas.

Goku e seus companheiros tinham objetivos, relações e momentos de fracasso. Cada batalha fazia parte de uma história maior.

Foi esse modelo de narrativa contínua que ajudou a formar uma geração inteira de fãs.

Akira mostra que o anime também podia ser cinema

No mesmo período, outra produção seguiu uma direção completamente diferente.

Lançado em 1988, Akira, dirigido por Katsuhiro Otomo, apresentou uma Tóquio futurista marcada por violência, política, tecnologia e conflitos sociais.

A animação impressionava pelo nível de detalhes e pela atmosfera criada em cada cena.

Mais importante ainda, o filme ajudou a mudar a percepção de que animação era necessariamente algo destinado ao público infantil.

Akira encontrou espectadores adultos e chamou atenção de pessoas que talvez nunca tivessem procurado um anime antes.

O anime podia ser aventura.

Podia ser ficção científica.

Podia ser drama.

Podia também ser uma obra cinematográfica ambiciosa.

Essa variedade seria fundamental para o crescimento internacional que viria nas décadas seguintes.

O anime começa a conquistar uma nova geração no Ocidente

Durante os anos 1990 e início dos anos 2000, aconteceu uma mudança importante.

Os animes passaram a fazer parte da programação de televisão de diversos países, inclusive do Brasil.

Para muitos brasileiros, foi nesse período que personagens como Cavaleiros do Zodíaco, Dragon Ball Z, Pokémon, Yu Yu Hakusho, Sailor Moon e tantos outros entraram definitivamente na rotina.

O impacto foi enorme.

Crianças que acompanhavam essas séries depois procuravam os mangás, jogos, brinquedos e outros produtos relacionados às franquias.

O anime deixou de ser apenas um programa de televisão.

Começou a funcionar como uma porta de entrada para um universo inteiro.

E isso criou algo que continua acontecendo até hoje: uma pessoa descobre um anime, gosta daquele universo e acaba conhecendo dezenas de outras obras por causa dele.

O anime deixou de ser apenas um gênero

Existe uma ideia comum de que anime seria um gênero específico de história.

Na realidade, anime é uma forma de animação associada principalmente ao Japão. Dentro dela existem histórias dos mais variados tipos.

Há aventura, romance, terror, ficção científica, fantasia, comédia, drama, esporte, suspense e muito mais.

Attack on Titan não tenta contar a mesma história que Your Name.

One Piece segue uma proposta completamente diferente de Death Note.

Demon Slayer não possui a mesma estrutura de Haikyuu!!.

E essa diversidade é justamente uma das razões pelas quais o público consegue encontrar tantos caminhos diferentes dentro do universo dos animes.

Não é necessário gostar de batalhas para gostar de anime.

Não é necessário acompanhar séries enormes.

Também não existe uma idade específica para começar.

Há obras curtas, longas, experimentais, comerciais, infantis e voltadas para públicos adultos.

Quanto mais o anime crescia, mais difícil ficava colocá-lo dentro de uma única definição.

Os filmes também ajudaram a mudar a percepção sobre anime

Além das séries de televisão, o cinema teve papel importante nessa transformação.

O trabalho do Studio Ghibli levou a animação japonesa para um público ainda maior.

Filmes como Meu Vizinho Totoro, Princesa Mononoke, A Viagem de Chihiro e O Castelo Animado mostraram que uma animação poderia construir mundos fantásticos sem depender exclusivamente de batalhas ou humor.

A Viagem de Chihiro, por exemplo, alcançou enorme reconhecimento internacional e ajudou a colocar Hayao Miyazaki e o Studio Ghibli no centro das discussões sobre animação cinematográfica.

Outros filmes seguiram caminhos diferentes.

Your Name, A Silent Voice, Suzume e diversas outras produções demonstraram que histórias emocionais também poderiam encontrar um público global.

O resultado foi uma expansão do espaço ocupado pelo anime.

Ele não estava mais restrito à televisão.

Também podia estar nas salas de cinema.

A internet mudou completamente o jeito de acompanhar anime

Se a televisão foi fundamental para apresentar os animes ao público internacional, a internet mudou a relação dos fãs com essas produções.

Fóruns, comunidades, blogs, redes sociais e plataformas de vídeo permitiram que fãs de diferentes países conversassem sobre os mesmos episódios quase ao mesmo tempo.

Antes, quem queria acompanhar uma série dependia da programação de uma emissora.

Depois, a descoberta de novos títulos passou a acontecer por indicação de outras pessoas.

Uma cena viralizava.

Um personagem ganhava popularidade.

Uma teoria aparecia em um fórum.

Um episódio era comentado nas redes sociais.

E, de repente, uma produção japonesa podia estar sendo discutida simultaneamente em vários continentes.

A comunidade deixou de ser apenas espectadora.

Ela também passou a participar da divulgação.

Quando o streaming colocou o anime no bolso

O streaming levou essa transformação ainda mais longe.

Serviços especializados e grandes plataformas passaram a disponibilizar catálogos cada vez maiores de animações japonesas para diferentes mercados.

Isso reduziu uma barreira que durante décadas dificultou o acesso: encontrar a obra.

Hoje, dependendo da região e da plataforma, uma pessoa pode descobrir uma série japonesa sem precisar esperar uma emissora local comprar seus direitos de exibição.

O lançamento simultâneo ou próximo da transmissão japonesa também mudou o comportamento do público.

A distância entre quem acompanha uma obra no Japão e quem acompanha do outro lado do mundo ficou muito menor.

Isso também ajudou a transformar determinadas temporadas em acontecimentos globais.

Um episódio novo pode gerar discussões, memes, teorias e vídeos poucas horas depois de sua exibição original.

O anime passou a fazer parte da conversa mundial em tempo real.

Os animes também mudaram os videogames

A relação entre anime e videogames também merece atenção.

Desde os primeiros jogos baseados em franquias famosas até grandes produções modernas, os dois mercados passaram décadas se influenciando.

Dragon Ball, Pokémon, Naruto, One Piece e diversos outros animes ganharam adaptações para consoles e computadores.

Mas a influência também acontece no sentido contrário.

Jogos japoneses ajudaram a popularizar determinados estilos visuais e narrativos que posteriormente apareceram em animes.

Hoje, é comum encontrar franquias que transitam entre mangá, anime, videogame, cinema e outros formatos.

Pokémon talvez seja o exemplo mais conhecido dessa integração.

O personagem ou a história já não pertence a uma única mídia.

Cada formato acrescenta uma nova maneira de experimentar aquele universo.

Por que os animes conseguem falar sobre assuntos tão diferentes?

Talvez essa seja uma das características mais interessantes da animação japonesa.

Uma obra pode começar como uma aventura aparentemente simples e, com o tempo, abordar temas muito mais profundos.

Amizade, família, perda, amadurecimento, identidade, guerra, solidão, responsabilidade e escolhas difíceis aparecem em histórias dos mais variados estilos.

Isso não significa que todo anime precise ser profundo.

Existem obras feitas simplesmente para divertir.

E essa também é uma parte importante da cultura dos animes.

A variedade permite que uma produção seja engraçada em um episódio e emocional no seguinte, enquanto outra pode apostar completamente na ação, no romance ou no suspense.

Não existe uma fórmula única.

Shonen, shojo, seinen e outros caminhos

Outro ponto que ajuda a entender a diversidade dos animes são as classificações demográficas.

Shonen costuma estar associado ao público masculino jovem e reúne muitas obras de ação, aventura e crescimento pessoal.

Shojo tradicionalmente se direciona ao público feminino jovem, com forte presença de romance, relações e desenvolvimento emocional.

Já Seinen e Josei costumam trabalhar com públicos adultos, embora suas histórias possam abordar praticamente qualquer gênero.

Essas classificações ajudam a entender para quem determinada obra foi originalmente produzida, mas não funcionam como caixas fechadas.

Um adulto pode gostar de um shonen.

Um adolescente pode gostar de um seinen.

Uma pessoa pode assistir a uma obra de romance e depois passar para uma ficção científica completamente diferente.

O interessante está justamente nessa liberdade.

A nova geração mudou novamente o jogo

Nos últimos anos, uma nova geração de produções mostrou que o anime continua se reinventando.

Demon Slayer, Jujutsu Kaisen, My Hero Academia, Chainsaw Man, Frieren: Beyond Journey’s End e muitas outras obras conquistaram públicos enormes.

Algumas chamaram atenção pela animação extremamente detalhada.

Outras se destacaram pela construção de personagens ou pela maneira como abordaram gêneros conhecidos.

E há ainda uma mudança importante no comportamento do público.

Muita gente que começou assistindo anime por causa de uma franquia famosa passou a procurar produções menores, clássicos e obras de diferentes épocas.

O catálogo ficou tão grande que descobrir anime novo se tornou uma parte da própria experiência.

O anime já é um fenômeno econômico global

O crescimento do anime também pode ser observado pelos números da indústria.

Relatórios da Association of Japanese Animations mostram que o mercado de animação japonesa alcançou valores recordes nos últimos anos, com o mercado internacional ocupando uma parcela cada vez maior desse resultado.

Isso ajuda a explicar por que grandes empresas de entretenimento passaram a investir cada vez mais nesse setor.

Não se trata apenas de vender episódios.

Uma franquia de sucesso pode gerar filmes, jogos, mangás, produtos colecionáveis, eventos e inúmeras outras formas de consumo.

O anime se transformou em uma indústria global justamente porque suas histórias conseguem atravessar diferentes formatos.

E, em 2026, esse processo está longe de parecer encerrado.

E agora? O que vem pela frente?

O próximo capítulo da história dos animes provavelmente será marcado por uma mistura ainda maior entre diferentes tecnologias e formas de entretenimento.

Streaming, jogos, experiências digitais e novas ferramentas de produção já fazem parte do cotidiano da indústria.

Ao mesmo tempo, existe um interesse crescente por obras antigas.

Clássicos continuam sendo redescobertos por novas gerações enquanto produções inéditas tentam encontrar seu próprio espaço.

Essa combinação é interessante porque mostra que o crescimento do anime não depende apenas de criar algo novo.

Existe também valor em revisitar aquilo que ajudou a construir esse universo.

Talvez o futuro não seja substituir os clássicos.

Seja encontrar novas maneiras de apresentá-los.

Do Japão para praticamente qualquer lugar

A história dos animes é, no fundo, uma história sobre como uma linguagem artística conseguiu atravessar fronteiras.

Começou com experimentos de animação.

Passou pela televisão.

Ganhou força com personagens que se tornaram ícones.

Chegou ao cinema.

Encontrou uma comunidade gigantesca na internet.

Depois ganhou espaço definitivo no streaming, nos videogames e em praticamente todos os cantos da cultura pop.

O mais curioso é pensar que, décadas atrás, muitas pessoas precisavam explicar o que era um anime.

Hoje, muitas vezes, nem existe essa necessidade.

Basta mencionar Goku, Naruto, Luffy ou Pokémon e milhões de pessoas já sabem exatamente do que estamos falando.

Essa talvez seja a maior transformação de todas.

O anime deixou de ser apenas uma produção japonesa que conquistou outros países.

Ele se tornou uma linguagem que pessoas de diferentes lugares aprenderam a falar.

E, olhando para 2026, fica difícil imaginar que essa história tenha chegado ao seu último capítulo.

E o mais interessante é que este ano não trouxe apenas promessas. Alguns desses jogos já chegaram às mãos dos jogadores e provaram que havia motivo para ficar de olho neles. Outros continuam aparecendo entre os projetos que podem surpreender nos próximos meses.

Por isso, em vez de simplesmente montar um ranking, o Nerds Cultura separou alguns jogos indie que merecem entrar no seu radar em 2026 — cada um por um motivo diferente.

Mewgenics: gatos, estratégia e uma ideia completamente fora da curva

Se alguém descrevesse Mewgenics apenas como “um jogo de estratégia com gatos”, provavelmente não conseguiria explicar metade da loucura que existe por trás da proposta.

Desenvolvido por Edmund McMillen e Tyler Glaiel, conhecidos por trabalhos como The Binding of Isaac e The End Is Nigh, o jogo mistura estratégia por turnos, elementos roguelite, criação de personagens e uma dose considerável de humor estranho.

Aqui, os gatos não são apenas personagens bonitinhos. O jogador cria sua própria equipe, combina características, enfrenta batalhas e acompanha gerações diferentes desses animais durante a aventura.

É justamente essa mistura improvável que faz Mewgenics chamar atenção. O jogo transforma uma ideia aparentemente simples em um sistema cheio de possibilidades, onde cada nova partida pode acabar seguindo um caminho diferente.

E ele não está mais apenas na promessa: Mewgenics chegou ao PC em fevereiro de 2026.

MOUSE: P.I. For Hire transforma desenho animado em FPS

Imagine pegar aqueles desenhos animados antigos, colocar tudo em preto e branco e transformar esse universo em um jogo de tiro em primeira pessoa.

É mais ou menos essa a proposta de MOUSE: P.I. For Hire.

O protagonista é Jack Pepper, um detetive particular que se envolve em uma aventura noir repleta de tiros, perseguições e muito jazz. O visual desenhado à mão é provavelmente a primeira coisa que chama atenção, mas o jogo não depende apenas da estética.

A jogabilidade mistura elementos de FPS clássico com movimentação rápida e uma ambientação inspirada nos desenhos dos anos 1930.

O resultado é uma combinação pouco comum: um mundo que parece ter saído de uma animação antiga, mas com uma estrutura de tiro bastante frenética.

MOUSE: P.I. For Hire foi lançado em abril de 2026 e é uma das opções para quem procura algo diferente dentro dos jogos de tiro.

Mina the Hollower é uma carta de amor aos clássicos

Alguns jogos tentam reinventar tudo. Outros entendem que também existe valor em pegar uma fórmula conhecida e executá-la com personalidade.

Mina the Hollower segue esse segundo caminho.

Criado pela Yacht Club Games, a mesma equipe responsável por Shovel Knight, o jogo coloca Mina em uma missão para salvar uma ilha amaldiçoada. Para isso, ela precisa enfrentar inimigos, explorar áreas perigosas e usar sua habilidade de cavar para avançar pelo cenário.

O visual pixelado lembra uma época em que aventuras de ação dependiam muito mais de criatividade do que de gráficos realistas.

Mas Mina the Hollower não tenta simplesmente copiar os clássicos. A proposta combina essa estética retrô com combate, exploração e uma atmosfera mais sombria.

O jogo chegou em maio de 2026 e é uma boa lembrança de que visual retrô não significa necessariamente jogo ultrapassado.

Mixtape: quando música e videogame contam uma história

Nem todo indie precisa colocar o jogador diante de monstros gigantes ou batalhas difíceis.

Mixtape segue outro caminho.

O jogo acompanha três amigos durante sua última noite juntos, transformando lembranças e momentos da adolescência em diferentes segmentos jogáveis.

A música tem um papel importante nessa viagem. A aventura utiliza uma trilha com nomes conhecidos do rock e da música alternativa, enquanto cada trecho apresenta uma situação diferente.

Skate, fotografia, festas e pequenas aventuras fazem parte dessa jornada, criando uma experiência que se aproxima mais de um filme de amadurecimento do que de uma aventura tradicional.

Mixtape foi lançado em maio de 2026 e mostra uma das características mais interessantes dos indies: a possibilidade de transformar experiências simples em algo que funciona de maneira diferente dentro dos videogames.

Denshattack!: quem disse que não dá para andar de trem como se fosse skate?

Talvez seja difícil explicar Denshattack! sem parecer que alguém misturou várias ideias diferentes em uma mesma sala.

Você controla um trem.

Mas não é simplesmente um jogo sobre dirigir uma locomotiva.

É possível fazer manobras, saltos, giros e outras acrobacias enquanto atravessamos uma versão estilizada e colorida do Japão. Tudo isso acontece em alta velocidade, com fases construídas para incentivar o jogador a dominar os movimentos e buscar melhores resultados.

O jogo ainda coloca o protagonista contra gangues e uma grande corporação, mas é a própria movimentação que acaba roubando a cena.

Denshattack! chegou em julho de 2026 e representa bem aquela categoria de jogos que provavelmente dificilmente receberia sinal verde para uma produção gigantesca, mas que funciona justamente porque alguém resolveu apostar em uma ideia maluca.

Slay the Spire 2 continua uma fórmula que parecia simples

Construir um baralho, enfrentar inimigos e tentar chegar cada vez mais longe.

A ideia parece simples até você perceber a quantidade de possibilidades que pode surgir de algumas cartas combinadas da maneira certa.

Slay the Spire 2 leva a fórmula do primeiro jogo para uma nova aventura, mantendo a combinação entre construção de deck e estrutura roguelike.

A sequência chegou ao Steam em acesso antecipado em 2026, permitindo que os jogadores acompanhem a evolução do projeto enquanto ele continua sendo desenvolvido.

Para quem gosta de jogos estratégicos, esse é justamente o tipo de experiência em que uma partida aparentemente perdida pode virar completamente por causa de uma decisão tomada alguns minutos antes.

Big Walk aposta na diversão de simplesmente estar junto

Nem todo jogo precisa transformar cada minuto em uma batalha contra alguma ameaça.

Big Walk parte de uma ideia bem mais simples: explorar um mundo com outras pessoas e descobrir o que acontece pelo caminho.

O jogo aposta na cooperação e na interação entre os jogadores, criando situações que podem resultar tanto em pequenos desafios quanto em momentos completamente inesperados.

Essa proposta faz Big Walk se destacar em uma época em que muitos jogos cooperativos tentam transformar cada partida em uma missão gigantesca.

Aqui, parte da graça está justamente na jornada e nas coisas estranhas que podem acontecer enquanto você e seus amigos exploram o mundo.

Em 2026, o jogo também apareceu entre os indicados ao Golden Joystick Awards, incluindo a categoria de Melhor Jogo Indie.

Densidade de ideias: por que esses jogos chamam tanta atenção?

Existe uma coisa em comum entre vários dos títulos desta seleção: eles não dependem apenas de gráficos impressionantes para despertar curiosidade.

Mewgenics transforma gatos em uma experiência estratégica cheia de possibilidades.

MOUSE usa uma estética de desenho antigo para criar um FPS.

Mina the Hollower olha para os clássicos e dá a eles uma nova identidade.

Mixtape transforma memórias de adolescência em uma aventura musical.

Denshattack! transforma um trem em praticamente uma pista de manobras.

Slay the Spire 2 mostra como cartas podem sustentar uma experiência estratégica profunda.

Big Walk, por outro lado, aposta na interação entre jogadores.

São propostas completamente diferentes, e talvez seja justamente essa variedade que torne o cenário indie tão interessante.

O que esperar dos jogos independentes em 2026?

O cenário independente não parece estar seguindo apenas uma direção.

Existem jogos apostando em pixel art, outros investindo em 3D estilizado, projetos focados em narrativa, experiências cooperativas e títulos que simplesmente pegam uma ideia absurda e tentam descobrir até onde ela consegue chegar.

Também existe uma aproximação cada vez maior entre equipes independentes e editoras maiores, o que torna a classificação de alguns projetos menos simples do que parece.

Por isso, talvez a melhor maneira de acompanhar os indies seja abandonar a ideia de que existe um único “estilo indie”.

O que realmente une esses jogos é a disposição para experimentar.

E isso pode aparecer em uma mecânica, em uma direção artística, em uma história ou até mesmo em uma ideia que parece estranha demais para funcionar.

Os indies continuam fugindo do caminho óbvio

2026 já mostrou que os jogos independentes continuam capazes de encontrar espaço mesmo em um mercado cheio de grandes franquias.

Alguns títulos chegam com campanhas enormes. Outros praticamente passam despercebidos até começarem a ser comentados pelos próprios jogadores.

É aí que está uma das partes mais divertidas de acompanhar esse cenário: você nunca sabe de onde pode surgir o próximo jogo capaz de surpreender.

E talvez seja justamente por isso que vale olhar além dos grandes lançamentos.

Porque, enquanto as grandes franquias disputam a atenção do público, existe uma quantidade enorme de desenvolvedores tentando descobrir uma maneira diferente de fazer você segurar o controle.

Agora queremos saber: qual jogo indie de 2026 mais chamou a sua atenção até agora?

De um lado, temos franquias conhecidas retornando depois de anos. Do outro, novas ideias tentando conquistar espaço entre produções gigantescas. Tem RPG medieval, terror, super-heróis, ficção científica, estratégia, aventura cooperativa e mundos abertos.

E o mais curioso é que o ano ainda não acabou.

Alguns dos jogos mais aguardados de 2026 já chegaram às mãos dos jogadores, enquanto outros estão guardados para os próximos meses. No meio dessa mistura, existe um nome que sozinho já seria suficiente para transformar o calendário do ano: GTA VI.

Mas ele não está sozinho.

2026 colocou os games em direções bem diferentes

Uma das coisas mais interessantes deste ano é perceber como os grandes lançamentos não estão seguindo uma única fórmula.

Enquanto alguns jogos apostam em mundos enormes, outros preferem concentrar seus esforços em combate, atmosfera, escolhas ou cooperação.

Isso também torna o calendário mais interessante para quem joga diferentes gêneros. Não é necessário gostar apenas de RPG ou mundo aberto para encontrar alguma coisa chamando atenção.

E foi principalmente no segundo semestre que essa variedade ficou ainda mais evidente.

The Blood of Dawnwalker mistura vampiros, RPG e decisões difíceis

Imagine estar em uma Europa medieval tomada pela peste e ainda precisar lidar com uma transformação que muda completamente a maneira como você enxerga o mundo.

Essa é a situação enfrentada pelo protagonista de The Blood of Dawnwalker.

O jogo coloca o jogador em uma aventura de fantasia sombria na qual o tempo possui um papel importante. As decisões tomadas durante a jornada não servem apenas para preencher diálogos: elas fazem parte da maneira como a história se desenvolve.

A presença dos vampiros também não está ali apenas para criar um visual diferente.

O protagonista precisa lidar com sua nova condição enquanto tenta proteger pessoas importantes para ele, criando uma aventura em que poder e sobrevivência caminham lado a lado.

É justamente essa combinação que faz Dawnwalker fugir um pouco do RPG medieval tradicional.

Em vez de simplesmente atravessar um mapa derrotando inimigos, o jogador precisa pensar no que fazer e em quanto tempo tem para fazer.

Marvel’s Wolverine finalmente dá a Logan o protagonismo

Wolverine já apareceu em praticamente todos os formatos possíveis.

Quadrinhos, filmes, animações e jogos ajudaram a transformar Logan em um dos personagens mais conhecidos da Marvel.

Agora, a Insomniac Games colocou o personagem no centro de uma aventura própria com Marvel’s Wolverine.

A diferença começa no próprio estilo de combate.

Enquanto Marvel’s Spider-Man utiliza mobilidade, teias e movimentação constante, Wolverine parte para o confronto direto. As garras fazem parte da maneira como Logan enfrenta seus inimigos, enquanto seu fator de cura permite que o personagem aguente situações que seriam impossíveis para um herói comum.

A aventura também amplia o universo do personagem para além de uma simples sequência de lutas.

Logan continua sendo Logan: impulsivo, violento quando necessário e carregando um passado que não desaparece só porque ele está em uma nova missão.

Para a Insomniac, o desafio é apresentar uma aventura que tenha a identidade de Wolverine sem simplesmente repetir a fórmula usada em outros jogos de super-heróis.

GTA VI é o grande capítulo que ainda está chegando

Agora chegamos ao jogo que praticamente não poderia ficar de fora de uma lista sobre 2026.

Grand Theft Auto VI está marcado para 19 de novembro de 2026, com lançamento para PlayStation 5 e Xbox Series X|S.

E existe um detalhe importante: enquanto vários dos jogos deste artigo já chegaram, GTA VI ainda está esperando o seu momento.

A Rockstar retorna a Vice City, mas a história não ficará limitada à cidade. O jogo apresenta o estado de Leonida, ampliando o cenário para diferentes regiões.

No centro da trama estão Jason e Lucia, dois personagens que acabam envolvidos em uma conspiração criminosa depois que um trabalho aparentemente simples dá errado.

A escolha de dois protagonistas também chama atenção porque a relação entre eles está diretamente ligada à história.

Não se trata apenas de trocar de personagem durante a campanha. Jason e Lucia precisam confiar um no outro enquanto tentam sobreviver em um ambiente onde praticamente tudo pode sair do controle.

E GTA VI chega justamente em um momento em que os mundos abertos se tornaram muito maiores e mais detalhados.

A grande questão será descobrir como a Rockstar vai transformar toda essa escala em algo que realmente tenha vida própria.

Até o momento, a empresa já apresentou um segundo trailer e, em agosto de 2026, divulgou um novo olhar estendido sobre o jogo.

Ou seja: a espera está chegando à reta final.

Control Resonant leva o sobrenatural para uma escala ainda maior

A Remedy decidiu ampliar o universo de Control com Control Resonant, colocando Dylan Faden no centro da nova história.

Desta vez, a ação se desloca para uma Manhattan afetada por acontecimentos paranormais.

E esse detalhe já mostra uma das mudanças de escala do novo jogo.

No primeiro Control, o jogador passou boa parte da aventura dentro de um ambiente fechado e cheio de mistérios. Agora, a proposta amplia o espaço disponível para exploração sem abandonar os elementos sobrenaturais que definem a franquia.

Os poderes continuam sendo uma parte importante da ação, mas o jogo também trabalha com exploração, progressão e descobertas espalhadas pelo cenário.

A graça de Control sempre esteve em transformar o estranho em algo cotidiano.

Uma porta pode levar para um lugar impossível. Um objeto comum pode esconder algo perigoso. Uma situação aparentemente normal pode rapidamente sair completamente do controle.

Control Resonant parte justamente dessa identidade para construir seu próximo capítulo.

Silent Hill: Townfall quer fazer o jogador desconfiar de tudo

Nem todo jogo precisa de um mundo gigantesco para chamar atenção.

Silent Hill: Townfall segue por uma direção diferente e aposta principalmente no desconforto.

A nova aventura coloca o jogador diante de uma história de terror psicológico marcada por mistérios, decisões e acontecimentos que nem sempre parecem fazer sentido à primeira vista.

Um dos elementos mais curiosos é a presença de uma televisão CRT que participa diretamente da experiência.

O aparelho não funciona apenas como objeto decorativo. Ele faz parte da maneira como o jogador descobre informações e interpreta o que está acontecendo.

E existe outro detalhe importante: as escolhas feitas durante a aventura podem influenciar o desfecho.

Isso combina bastante com a tradição de Silent Hill.

Em vez de simplesmente colocar monstros na frente do jogador, a franquia costuma trabalhar com aquilo que existe por trás deles.

Medo, culpa, dúvidas e interpretações fazem parte da construção do terror.

Townfall segue essa linha, mas tenta encontrar sua própria maneira de brincar com as expectativas de quem já conhece a série.

Dune: Awakening transforma Arrakis em um problema constante

Arrakis nunca foi exatamente um lugar tranquilo.

Em Dune: Awakening, essa característica deixa de ser apenas parte da história e passa a fazer parte da própria jogabilidade.

O jogo mistura sobrevivência, exploração, construção e elementos multiplayer em um enorme cenário inspirado no universo de Duna.

E o ambiente não está ali apenas para servir de decoração.

Água é um recurso precioso. O deserto apresenta perigos constantes. E os enormes vermes da areia podem transformar uma viagem aparentemente simples em uma situação complicada.

Isso cria uma dinâmica interessante: antes de pensar em explorar tudo, o jogador precisa aprender a sobreviver naquele lugar.

Construir uma base, encontrar recursos e entender como atravessar o deserto fazem parte da aventura.

É uma maneira diferente de aproveitar o universo de Duna, transformando Arrakis em algo que precisa ser compreendido e não apenas visitado.

Fire Emblem: Fortune’s Weave mostra que estratégia continua tendo espaço

No meio de tantos mundos abertos e jogos de ação, Fire Emblem: Fortune’s Weave segue por um caminho completamente diferente.

A série continua colocando estratégia no centro da experiência.

Posicionar corretamente cada personagem, entender as características dos adversários e pensar nos próximos movimentos são decisões que podem fazer uma batalha mudar completamente.

Mas Fire Emblem nunca dependeu apenas do campo de batalha.

As relações entre os personagens também ajudam a construir a identidade da série.

Isso cria uma mistura curiosa: o jogador precisa pensar como estrategista enquanto acompanha uma história formada por personagens com objetivos e vínculos diferentes.

Em uma época em que muitos RPGs apostam em combates cada vez mais rápidos, Fortune’s Weave mantém uma fórmula em que parar, observar e pensar também fazem parte da diversão.

Onimusha: Way of the Sword traz uma franquia clássica de volta

Algumas séries desaparecem por tanto tempo que o seu retorno parece improvável.

Onimusha é um desses casos.

Depois de muitos anos longe dos grandes lançamentos, a franquia voltou com Onimusha: Way of the Sword, recuperando a mistura de samurais, criaturas sobrenaturais e combates intensos que marcou seus jogos anteriores.

Para quem conheceu a série no PlayStation 2, o retorno tem um peso especial.

A ideia de controlar um guerreiro em um Japão feudal tomado por forças sobrenaturais continua sendo uma combinação bastante característica da franquia.

Mas o novo jogo não precisa viver apenas da nostalgia.

A proposta é apresentar essa fórmula para uma geração que talvez nunca tenha experimentado os títulos antigos.

É justamente aí que o retorno fica interessante: de um lado, existe a memória dos jogos clássicos; do outro, a tentativa de transformar aquela ideia em uma aventura adequada aos videogames atuais.

Minecraft Dungeons 2 aposta na diversão em grupo

Nem todo lançamento precisa tentar reinventar um gênero.

Minecraft Dungeons 2 segue uma direção mais direta, combinando combate, exploração e progressão em uma aventura que também pode ser aproveitada em grupo.

E isso ajuda a explicar por que o jogo encontra seu espaço em um ano tão cheio de produções gigantes.

Enquanto alguns títulos exigem dezenas de horas de atenção para acompanhar uma história complexa, Dungeons 2 pode funcionar de maneira mais descontraída.

A cooperação também muda a forma como cada partida acontece.

Jogar sozinho é uma coisa. Entrar em uma aventura com amigos e dividir os combates, explorar áreas e enfrentar inimigos juntos cria outra dinâmica.

É uma proposta mais simples, mas justamente por isso pode funcionar muito bem para quem procura um jogo para jogar acompanhado.

Big Walk mostra que nem todo game precisa de explosões

Em um calendário cheio de RPGs, super-heróis, terror e mundos enormes, Big Walk aparece como uma das propostas mais diferentes.

O jogo aposta na exploração cooperativa e em situações que surgem durante a própria caminhada.

Não existe a mesma preocupação em transformar tudo em uma batalha gigantesca.

Aqui, conversar, explorar, descobrir lugares e interagir com o ambiente fazem parte da diversão.

Isso é importante porque mostra um lado dos games que muitas vezes acaba escondido quando os grandes lançamentos dominam as conversas.

Um jogo pode chamar atenção justamente por fazer menos.

Em vez de tentar colocar centenas de sistemas diferentes no mesmo pacote, Big Walk encontra sua identidade em uma proposta mais simples e voltada para a interação entre jogadores.

O que esses jogos dizem sobre 2026?

O mais interessante é que não existe uma única direção dominando o ano.

Os jogos apresentados aqui seguem caminhos completamente diferentes.

The Blood of Dawnwalker trabalha com fantasia sombria, tempo e escolhas.

Marvel’s Wolverine transforma um personagem conhecido dos quadrinhos em protagonista de uma aventura própria.

Control Resonant aumenta a escala do universo sobrenatural da Remedy.

Silent Hill: Townfall aposta no terror e na interpretação.

Dune: Awakening transforma sobrevivência em parte fundamental da experiência.

Fire Emblem: Fortune’s Weave mantém a estratégia no centro.

Onimusha: Way of the Sword recupera uma franquia clássica.

E Big Walk mostra que existe espaço para propostas menores e mais descontraídas.

Enquanto isso, GTA VI representa o retorno de uma das maiores franquias dos videogames justamente no final do ano.

Essa variedade talvez seja uma das características mais marcantes de 2026.

Não existe apenas um tipo de jogador sendo atendido.

E o que ainda vem pela frente em 2026?

Se setembro já trouxe uma quantidade enorme de lançamentos, os próximos meses ainda guardam alguns nomes importantes.

Um deles é Phantom Blade Zero, previsto para outubro. O jogo mistura ação, artes marciais e fantasia sombria em uma aventura protagonizada por Soul, um assassino que tem apenas 66 dias de vida.

E então chegamos a novembro.

É quando GTA VI finalmente está programado para chegar.

A Rockstar confirmou oficialmente o lançamento para 19 de novembro, mantendo o jogo para PlayStation 5 e Xbox Series X|S.

Isso coloca o título justamente na reta final de um ano que já teve uma quantidade considerável de grandes lançamentos.

E, até lá, novos trailers, informações e detalhes ainda podem aparecer.

2026 ainda não terminou

Talvez seja cedo para olhar para 2026 como um ano fechado.

Ainda existe uma parte importante do calendário pela frente, e GTA VI sozinho já seria suficiente para manter o mundo dos games movimentado até novembro.

Mas o ano também mostrou que os grandes lançamentos não precisam seguir o mesmo caminho.

Alguns apostaram em franquias conhecidas. Outros trouxeram universos novos. Alguns preferiram ação, enquanto outros escolheram estratégia, terror ou cooperação.

No fim, é justamente essa mistura que deixa 2026 tão interessante.

Não existe apenas um jogo para acompanhar.

Existe uma coleção de ideias diferentes disputando espaço, cada uma tentando encontrar seu próprio lugar no calendário.

E quando GTA VI finalmente chegar, teremos mais um capítulo para descobrir se tudo aquilo que foi mostrado durante a longa espera realmente estava à altura da expectativa.

Até lá, ainda tem muito controle para apertar.

Alguns tinham poucos botões. Outros cabiam em um cartucho. Muitos nem sequer contavam uma história elaborada.

Mesmo assim, conseguiram criar personagens reconhecidos no mundo inteiro, estabelecer gêneros que continuam vivos e apresentar ideias que seriam reaproveitadas durante décadas.

É por isso que certos jogos antigos continuam aparecendo nas conversas entre jogadores.

Não é apenas nostalgia.

Alguns deles ainda são interessantes justamente porque suas ideias funcionavam muito bem quando foram lançados — e continuam funcionando mesmo depois de tantos anos.

Neste artigo, vamos voltar para alguns desses clássicos e entender o que eles fizeram de tão importante para os videogames.

Por que alguns jogos conseguem sobreviver ao tempo?

Um jogo pode envelhecer visualmente e ainda continuar relevante.

A tecnologia muda. A resolução aumenta. Os controles ganham mais recursos. Os mundos virtuais ficam maiores.

Mas uma boa mecânica não precisa dessas coisas para funcionar.

É justamente isso que encontramos em muitos clássicos.

Super Mario Bros. ainda ensina ao jogador como entender uma fase sem precisar de um tutorial enorme. Tetris continua funcionando praticamente com a mesma ideia básica. Street Fighter II ainda depende de domínio dos movimentos e leitura do adversário.

Outros títulos foram importantes porque introduziram maneiras diferentes de explorar, lutar ou contar histórias.

O resultado é uma geração de jogos que não ficou presa ao período em que foi lançada.

Os clássicos que ajudaram a construir os videogames

Super Mario Bros. — quando aprender a jogar fazia parte da fase

Hoje é comum encontrar jogos que começam com longos tutoriais explicando cada botão.

Super Mario Bros., lançado para NES em 1985, seguia praticamente o caminho contrário.

O jogador começava a fase e precisava descobrir o que fazer observando o que aparecia na tela.

Um inimigo se aproximava. O jogador aprendia a pular.

Um bloco aparecia. Ele descobria que podia interagir com ele.

Um espaço maior surgia no caminho. Era necessário entender como atravessá-lo.

Tudo isso acontecia enquanto a fase ensinava suas próprias regras.

Mario e Luigi precisavam atravessar o Reino dos Cogumelos para chegar até a Princesa Peach, mas o verdadeiro destaque estava na maneira como o jogo transformava controles simples em desafios progressivos.

É uma das razões pelas quais Super Mario Bros. continua sendo uma referência quando se fala em design de fases.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time — a aventura ganhou outra dimensão

Quando The Legend of Zelda: Ocarina of Time chegou ao Nintendo 64 em 1998, a série precisava encontrar uma maneira de levar sua estrutura de aventura para o mundo tridimensional.

E foi justamente isso que tornou o jogo tão marcante.

O sistema de mira conhecido como Z-targeting ajudou a resolver um dos problemas dos jogos de ação em 3D: como controlar a câmera e enfrentar inimigos sem perder completamente a noção de espaço.

A aventura de Link também combinava exploração, enigmas, combate e mudanças entre diferentes períodos da história.

O jogador não estava apenas atravessando fases.

Havia lugares para descobrir, equipamentos que abriam novos caminhos e situações que exigiam atenção ao ambiente.

Por isso, seu impacto foi muito além dos gráficos 3D.

Ocarina of Time ajudou a mostrar como uma aventura em três dimensões poderia organizar combate, exploração e progressão sem transformar tudo em confusão.

Sonic the Hedgehog — velocidade virou identidade

A SEGA precisava de um personagem capaz de disputar atenção com Mario.

Em 1991, Sonic the Hedgehog apareceu com uma proposta bastante diferente.

O ouriço azul não queria apenas atravessar fases.

Ele queria atravessá-las rapidamente.

A velocidade passou a fazer parte da própria identidade do jogo. O jogador precisava entender quando acelerar, quando reduzir o ritmo e como aproveitar rampas, curvas e obstáculos.

Essa característica também influenciou o desenho das fases.

Em vez de apresentar apenas caminhos lineares, os cenários incentivavam diferentes maneiras de avançar.

Sonic acabou se tornando muito mais do que o mascote da SEGA. O personagem virou um dos grandes símbolos dos anos 90 e ajudou a transformar a rivalidade entre Nintendo e SEGA em uma das disputas mais conhecidas da história dos videogames.

Street Fighter II — quando aprender o adversário virou parte da diversão

Antes de Street Fighter II, jogos de luta já existiam.

Mas o título da Capcom ajudou a transformar o gênero em algo muito mais profundo.

Cada personagem tinha golpes, velocidade, alcance e movimentos próprios. Isso significava que aprender a jogar não era apenas decorar os comandos.

Era necessário entender o adversário.

Ryu não era jogado exatamente da mesma maneira que Chun-Li. Guile possuía outra dinâmica. Zangief exigia uma abordagem diferente.

Essa variedade ajudou a fazer com que os jogadores desenvolvessem preferências e estilos próprios.

O multiplayer também teve papel importante.

As partidas entre amigos criavam uma espécie de competição improvisada, enquanto os arcades se tornavam pontos de encontro para quem queria testar suas habilidades.

Street Fighter II ajudou a estabelecer características que continuam presentes nos jogos de luta atuais.

Tetris — uma ideia simples que nunca precisou envelhecer

Poucos jogos conseguem ser explicados tão rapidamente quanto Tetris.

Blocos descem.

O jogador gira e encaixa.

Linhas completas desaparecem.

Parece simples.

E justamente aí está sua força.

O jogo não depende de uma história complexa, personagens ou grandes cenários para prender a atenção. Sua diversão nasce da tentativa constante de organizar as peças antes que a tela fique cheia.

Conforme a velocidade aumenta, uma decisão que parecia fácil começa a exigir mais atenção.

Tetris também atravessou gerações e plataformas como poucos jogos conseguiram.

Arcades, computadores, consoles e portáteis receberam versões da fórmula.

A aparência mudou várias vezes, mas a ideia central continuou intacta.

Final Fantasy VII — RPGs ganharam uma nova vitrine

Final Fantasy VII, lançado originalmente para PlayStation em 1997, ajudou a colocar os RPGs japoneses diante de um público ainda maior no Ocidente.

Cloud, Tifa, Aerith e Sephiroth se tornaram personagens reconhecidos por jogadores que talvez nunca tivessem acompanhado a série antes.

Mas o impacto do jogo não veio apenas dos personagens.

A utilização de gráficos tridimensionais, cenas cinematográficas e uma apresentação mais próxima de uma grande produção ajudou a mostrar que um RPG poderia trabalhar sua história de maneira ambiciosa.

A trilha sonora de Nobuo Uematsu também se tornou uma parte importante da identidade do jogo.

Décadas depois, a influência de Final Fantasy VII continua visível, inclusive nos próprios remakes que retomaram sua história para uma nova geração.

Pokémon Red & Blue — quando jogar também significava conversar com outros jogadores

Pokémon encontrou uma maneira diferente de fazer os jogadores interagirem.

Em Pokémon Red & Blue, lançado para Game Boy em 1996, completar a coleção não dependia apenas de jogar sozinho.

Algumas criaturas só podiam ser obtidas em uma versão específica.

Para conseguir todas, era necessário encontrar alguém que tivesse a outra versão e realizar uma troca usando o cabo Link.

Essa simples ideia mudou bastante a maneira como muitas crianças e adolescentes enxergavam o jogo.

Ter Pokémon diferentes deixava de ser apenas uma questão de progresso individual.

Era possível conversar com um amigo, trocar criaturas e depois enfrentá-lo em uma batalha.

O resultado ajudou a transformar Pokémon em uma franquia que ultrapassou os limites do próprio videogame.

Donkey Kong — antes de Mario existir como conhecemos

Antes de Mario ser o herói de inúmeros jogos, ele era conhecido como Jumpman.

Foi em Donkey Kong, lançado nos arcades em 1981, que o personagem apareceu pela primeira vez.

A proposta era simples: subir pelas estruturas enquanto desviava dos obstáculos lançados por Donkey Kong para alcançar a personagem que precisava ser resgatada.

Mas a importância do jogo vai além de sua mecânica.

Ele ajudou a apresentar um personagem que posteriormente se tornaria um dos maiores símbolos da Nintendo.

Também mostra como os primeiros jogos de plataforma trabalhavam com uma ideia muito diferente dos grandes mundos atuais.

Em vez de explorar um mapa gigantesco, o desafio estava concentrado em uma sequência de telas e obstáculos que exigiam reflexos e observação.

Metroid — explorar passou a ser parte do próprio desafio

Metroid, lançado para NES em 1986, não tratava o cenário apenas como um caminho entre um ponto e outro.

O próprio mundo fazia parte do desafio.

Controlando Samus Aran, o jogador explorava áreas interligadas e encontrava habilidades que permitiam acessar lugares anteriormente impossíveis de alcançar.

Isso criava uma sensação interessante de descoberta.

Você voltava para um lugar conhecido depois de conseguir uma nova habilidade e percebia que havia um caminho escondido ali.

O jogo também ficou marcado pela revelação da verdadeira identidade de Samus, algo que surpreendeu muitos jogadores na época.

Anos depois, as ideias de exploração e progressão associadas a Metroid seriam combinadas com elementos de Castlevania, ajudando a formar aquilo que hoje conhecemos como metroidvania.

Resident Evil — o medo também podia vir daquilo que você não conseguia ver

Resident Evil, lançado para PlayStation em 1996, ajudou a estabelecer uma identidade para o survival horror.

A mansão Spencer parecia perigosa não apenas pelos inimigos.

A limitação de munição, o espaço reduzido no inventário, os puzzles e a própria câmera criavam situações em que o jogador precisava pensar antes de agir.

Nem sempre era possível simplesmente eliminar tudo que aparecia pela frente.

Às vezes, fugir era uma opção melhor.

As câmeras fixas também contribuíam para a tensão. O jogador nem sempre conseguia enxergar o que existia depois de uma porta ou em uma área fora do enquadramento.

Esse controle limitado da informação fazia parte do medo.

Resident Evil ajudou a mostrar que o suspense podia nascer não apenas de um inimigo assustador, mas também da dúvida sobre o que poderia aparecer no próximo corredor.

Mortal Kombat — um jogo que saiu da tela e entrou no debate público

Mortal Kombat chegou aos arcades em 1992 e rapidamente chamou atenção por sua violência gráfica.

Os famosos Fatalities se tornaram uma das marcas da série, mas o impacto do jogo foi maior do que seus golpes finais.

A violência de Mortal Kombat ajudou a provocar discussões sobre o conteúdo dos videogames e sobre a necessidade de estabelecer classificações etárias para esse tipo de produto.

Esse debate contribuiu para o contexto que levou à criação do ESRB, sistema de classificação utilizado nos Estados Unidos.

Dentro dos jogos de luta, Mortal Kombat também criou uma identidade própria com personagens, poderes, cenários e uma estética bastante diferente de seus concorrentes.

É um daqueles casos em que um videogame acabou influenciando discussões que ultrapassaram o próprio mercado.

Chrono Trigger — uma viagem no tempo que continua funcionando

Chrono Trigger, lançado para Super Nintendo em 1995, tinha uma premissa que já era bastante ambiciosa para a época.

A aventura atravessava diferentes períodos históricos e colocava o jogador diante das consequências de acontecimentos que poderiam mudar o futuro.

Mas a viagem no tempo não era apenas parte da história.

Ela estava integrada à própria estrutura do jogo.

As ações realizadas em determinado período podiam ter consequências em outro, enquanto diferentes decisões levavam a finais distintos.

O sistema de batalha também evitava algumas convenções dos RPGs tradicionais, permitindo combinar habilidades de personagens durante os confrontos.

É essa união entre história, exploração e mecânicas que ajuda a explicar por que Chrono Trigger continua sendo lembrado décadas depois.

GoldenEye 007 — o multiplayer transformou a sala em campo de batalha

Os jogos de tiro em primeira pessoa já existiam nos computadores antes de GoldenEye 007 chegar ao Nintendo 64.

O grande mérito do jogo foi ajudar a mostrar como esse gênero poderia funcionar muito bem em um console, principalmente no multiplayer local.

Quatro jogadores podiam disputar partidas na mesma televisão.

Para uma geração de jogadores, isso significava transformar uma tarde comum entre amigos em uma sequência de partidas competitivas.

A campanha baseada no universo de James Bond também ajudava a criar uma aventura com objetivos diferentes, em vez de simplesmente avançar eliminando inimigos.

GoldenEye 007 mostrou que um FPS poderia ter uma presença enorme nos consoles e ajudou a abrir espaço para outros jogos do gênero.

Castlevania: Symphony of the Night — quando Castlevania virou outra coisa

Castlevania: Symphony of the Night, lançado para PlayStation em 1997, pegou elementos conhecidos da série e reorganizou completamente a fórmula.

Em vez de simplesmente atravessar fases lineares, o jogador explorava um enorme castelo, encontrava habilidades, retornava a áreas antigas e descobria novos caminhos.

Também havia elementos de RPG, como equipamentos, níveis e diferentes formas de desenvolver o personagem.

É aqui que a conexão com Metroid fica especialmente interessante.

Os dois jogos ajudaram a consolidar uma estrutura baseada em exploração, habilidades e áreas que se tornam acessíveis aos poucos.

Por isso, a combinação das ideias de Metroid com as características de Castlevania acabou dando origem ao termo metroidvania, utilizado até hoje para descrever jogos com essa estrutura.

Pac-Man — um personagem que virou símbolo dos videogames

Poucos personagens são reconhecidos tão rapidamente quanto Pac-Man.

Criado para os arcades em 1980, o personagem precisava percorrer labirintos enquanto fugia dos fantasmas e tentava completar todas as áreas.

A fórmula era simples, mas havia estratégia.

Cada fantasma tinha um comportamento diferente, e o jogador precisava decidir quando fugir, quando arriscar e quando usar os itens disponíveis para virar a situação.

Pac-Man também ultrapassou os próprios videogames.

O personagem apareceu em produtos, desenhos, brinquedos e diferentes formatos de mídia, transformando-se em um dos grandes símbolos da cultura pop ligada aos games.

É um exemplo perfeito de como uma ideia extremamente simples pode se tornar parte da história do entretenimento.

Os consoles por trás dessa geração

Os jogos não surgiram isoladamente.

Cada geração de hardware também ajudou a criar as condições para que determinadas ideias fossem possíveis.

NES

O Nintendo Entertainment System, conhecido como NES, recebeu jogos que ajudaram a estabelecer a Nintendo como uma das principais forças da indústria.

Super Mario Bros. e The Legend of Zelda são alguns dos exemplos mais conhecidos.

O console também ajudou a consolidar uma geração de jogadores que cresceu com aventuras baseadas em exploração, plataformas e desafios progressivos.

Super Nintendo

O Super Nintendo Entertainment System, ou SNES, ampliou as possibilidades técnicas e recebeu alguns dos títulos mais lembrados da geração.

Super Metroid, Chrono Trigger e Donkey Kong Country mostram como o console conseguiu abrigar estilos bastante diferentes.

Foi também uma época em que trilhas sonoras, gráficos e design de fases começaram a ganhar ainda mais importância na identidade dos jogos.

Sega Genesis

Conhecido no Brasil como Mega Drive, o console da SEGA teve em Sonic the Hedgehog seu principal símbolo.

A rivalidade com a Nintendo ajudou a transformar a década de 1990 em um período especialmente marcante para os videogames.

Mais do que uma disputa entre empresas, essa competição colocou diferentes estilos de jogos e personagens na frente do público.

PlayStation

A chegada do primeiro PlayStation ajudou a acelerar a transição para os gráficos tridimensionais e abriu espaço para jogos que apostavam cada vez mais em narrativas cinematográficas.

Final Fantasy VII, Resident Evil e Castlevania: Symphony of the Night são exemplos de como a plataforma recebeu experiências bastante diferentes.

O console também ajudou a aproximar os videogames de um público que talvez não se identificasse com os consoles das gerações anteriores.

O que os games atuais ainda estão pegando emprestado dos clássicos?

A influência dos jogos antigos não desapareceu quando os consoles ficaram mais poderosos.

Na verdade, ela aparece em vários lugares.

Remakes e remasterizações

Quando uma empresa decide reconstruir um jogo antigo, ela está tentando equilibrar duas coisas: preservar aquilo que funcionava e adaptar o título para uma geração acostumada com controles e gráficos modernos.

A quantidade de remakes e remasterizações lançadas nos últimos anos mostra que existe interesse contínuo por essas experiências.

Mas existe uma diferença importante entre simplesmente melhorar a imagem e realmente repensar um jogo.

Um bom remake precisa entender por que o original funcionava antes de decidir o que pode ser modificado.

A força dos jogos retrô

Pixel art, músicas inspiradas nos consoles antigos e mecânicas simples continuam aparecendo em jogos modernos.

Isso não significa que os desenvolvedores estejam simplesmente copiando os anos 80 e 90.

Muitos usam essas referências como ponto de partida para criar algo novo.

É justamente por isso que jogos independentes continuam encontrando espaço para explorar esse estilo.

O metroidvania continua vivo

A fórmula associada a Metroid e Castlevania ganhou uma segunda vida principalmente entre os estúdios independentes.

A estrutura continua funcionando porque combina exploração com recompensa.

Você encontra uma área que não consegue acessar.

Depois conquista uma habilidade.

Volta ao local.

Descobre um novo caminho.

É uma ideia simples, mas extremamente eficiente para incentivar a curiosidade do jogador.

Preservar também faz parte da história

Cartuchos, discos, consoles e arcades fazem parte da história dos videogames.

Preservar esses materiais significa manter acessíveis não apenas os jogos, mas também a maneira como eles eram experimentados.

Hoje, coleções oficiais, relançamentos e projetos de preservação ajudam a manter parte desse catálogo disponível para novas gerações.

E isso é importante porque um jogo antigo não é apenas software.

Ele também representa uma época da indústria.

Como revisitar esses clássicos hoje

Quem quiser conhecer esses jogos atualmente não precisa necessariamente procurar versões antigas ou recorrer a métodos duvidosos.

Muitos clássicos receberam relançamentos oficiais, coletâneas, remakes ou versões digitais para plataformas modernas.

Também existem consoles retrô oficiais que reúnem jogos de gerações anteriores.

Para alguns títulos, os remakes podem ser uma porta de entrada interessante. Para outros, jogar a versão original ajuda a entender melhor como determinadas mecânicas funcionavam no contexto de sua época.

O mais importante é lembrar que um jogo antigo não precisa competir graficamente com um lançamento atual.

A proposta é outra.

Em vez de perguntar se ele tem gráficos melhores que um jogo moderno, vale observar o que ele conseguiu fazer com as limitações que tinha.

O legado que continua no controle

Os videogames mudaram muito desde a época dos primeiros arcades e consoles domésticos.

Hoje temos mundos enormes, inteligência artificial mais sofisticada, gráficos extremamente detalhados e histórias que podem durar dezenas de horas.

Mesmo assim, muitas das ideias fundamentais continuam vindo de jogos muito mais antigos.

Um salto bem colocado.

Uma fase que ensina sem explicar demais.

Um combate que exige domínio.

Um mapa que recompensa a curiosidade.

Uma trilha sonora que permanece na memória.

Uma partida disputada com amigos.

São conceitos simples, mas que ajudaram a construir uma indústria inteira.

Talvez seja justamente isso que torna um clássico tão difícil de esquecer.

Os gráficos podem envelhecer. O hardware pode desaparecer das lojas. Mas quando um jogo encontra uma maneira realmente boa de divertir, desafiar ou surpreender, ele pode continuar falando com jogadores que nem sequer estavam vivos quando foi lançado.

E é aí que os clássicos deixam de ser apenas jogos antigos.

Eles passam a fazer parte da história dos videogames.

Um mundo aberto interessante não precisa colocar centenas de atividades na tela para parecer enorme. Às vezes, basta uma estrada que leva a um lugar desconhecido, uma construção escondida no meio da floresta ou uma missão que começa de maneira simples e termina contando uma história que você não esperava encontrar.

É justamente essa sensação de descoberta que tornou os jogos de mundo aberto tão importantes para a cultura gamer.

Ao longo dos anos, diferentes franquias encontraram maneiras próprias de trabalhar com esse formato. Alguns apostam na liberdade, outros na narrativa, outros na exploração e há aqueles que simplesmente entregam ferramentas suficientes para o próprio jogador criar suas histórias.

Neste artigo do Nerds Cultura, vamos conhecer alguns dos mundos abertos que mais se destacam por motivos diferentes — sem transformar a experiência em uma competição para decidir qual deles é o “melhor”.

O que faz um mundo aberto realmente funcionar?

Um mapa gigantesco, sozinho, não faz um bom jogo de mundo aberto.

O que importa é o que acontece quando o jogador decide sair do caminho principal.

Existe algum motivo para explorar aquele lugar? As missões secundárias acrescentam alguma coisa? O ambiente conta histórias? Os personagens parecem fazer parte daquele mundo? O jogador possui liberdade para resolver situações de maneiras diferentes?

Essas perguntas ajudam a separar um cenário enorme de um mundo que realmente desperta curiosidade.

É por isso que dois jogos podem ter mapas igualmente grandes e, ainda assim, transmitir sensações completamente diferentes.

The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom — quando explorar também significa criar

Em The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom, explorar Hyrule não significa apenas caminhar de um ponto ao outro.

O jogo transforma criatividade em uma das principais ferramentas da aventura. Link pode utilizar diferentes objetos e habilidades para construir veículos, criar mecanismos improvisados e encontrar soluções que nem sempre parecem ter sido planejadas de uma única maneira.

Isso muda a relação do jogador com o mapa.

Uma montanha pode ser simplesmente uma montanha, mas também pode virar um obstáculo que você decide atravessar de maneira completamente inesperada.

Além da superfície de Hyrule, o jogo ainda apresenta outras regiões que ampliam a sensação de descoberta. O resultado é um mundo que recompensa muito mais a curiosidade do que a pressa para terminar a campanha.

Red Dead Redemption 2 — um mundo que parece continuar sem você

Poucos jogos trabalham a sensação de viver em um lugar com tanta atenção aos detalhes quanto Red Dead Redemption 2.

O Velho Oeste criado pela Rockstar não existe apenas para servir como cenário para os tiroteios e missões de Arthur Morgan.

Animais possuem comportamentos diferentes, personagens seguem suas próprias rotinas e acontecimentos podem surgir enquanto o jogador simplesmente está viajando pelo mapa.

É possível passar bastante tempo sem avançar diretamente na história principal.

Arthur pode parar para pescar, caçar, conversar com alguém ou simplesmente seguir viagem observando as pequenas situações que acontecem pelo caminho.

Essa é uma das grandes forças do jogo: muitas vezes, a melhor lembrança não vem de uma missão obrigatória, mas de alguma coisa inesperada que aconteceu durante uma viagem aparentemente comum.

Elden Ring — descobrir é parte da própria aventura

Elden Ring utiliza o mundo aberto de uma maneira diferente de muitos RPGs.

Em vez de colocar o jogador diante de uma grande quantidade de marcadores explicando exatamente o que fazer, o jogo incentiva a observação.

Uma construção distante pode esconder uma área importante. Uma passagem aparentemente sem utilidade pode levar a uma região completamente diferente. Uma estrutura encontrada no horizonte pode acabar se tornando parte de uma grande descoberta.

O jogo não entrega todas as respostas imediatamente.

Isso faz com que a exploração tenha um peso enorme na experiência. Muitas vezes, o jogador nem sabe exatamente o que está procurando — e justamente por isso qualquer descoberta pode se tornar memorável.

Cyberpunk 2077 — Night City é praticamente um personagem

Night City é um dos grandes motivos para Cyberpunk 2077 continuar chamando atenção.

A cidade foi construída para transmitir uma sensação de excesso: prédios gigantescos, bairros completamente diferentes, publicidade por todos os lados, veículos, bares, becos e personagens tentando sobreviver em meio ao caos.

O interessante é que a cidade não serve apenas como decoração.

As missões colocam o jogador em contato com diferentes grupos, personagens e situações, fazendo com que regiões específicas ganhem identidade própria.

Depois das grandes atualizações lançadas ao longo dos anos, Cyberpunk 2077 também recebeu diversas melhorias e novidades. Em 2026, por exemplo, o jogo continuou recebendo suporte técnico, incluindo atualização específica para o PlayStation 5 Pro.

Night City funciona melhor quando o jogador simplesmente decide sair andando sem saber exatamente o que encontrará.

The Witcher 3: Wild Hunt — quando as pequenas histórias importam

The Witcher 3: Wild Hunt é um daqueles jogos que mostram que uma missão secundária não precisa parecer um simples desvio da história principal.

Geralt pode encontrar personagens durante suas viagens e acabar envolvido em problemas que possuem começo, desenvolvimento e consequências próprias.

O mundo também é dividido em regiões com características diferentes. Pântanos, cidades, vilarejos, florestas e ilhas ajudam a criar uma jornada que não parece estar acontecendo sempre no mesmo lugar.

E 2026 trouxe uma novidade importante para quem pretende revisitar o jogo: The Witcher 3: Wild Hunt – Remastered chegou em 29 de setembro com melhorias visuais, de desempenho e outros aprimoramentos. A atualização é gratuita para proprietários em plataformas elegíveis, e as expansões Hearts of Stone e Blood and Wine também fazem parte da nova versão.

É uma boa oportunidade para conhecer novamente um mundo que continua sendo lembrado justamente pela qualidade das histórias que existem fora da campanha principal.

Hogwarts Legacy — explorar um universo conhecido por outro ângulo

Hogwarts Legacy possui uma vantagem difícil de ignorar: ele permite explorar um universo que milhões de pessoas já conhecem por causa dos livros e filmes de Harry Potter.

Mas o jogo não se limita aos corredores de Hogwarts.

A aventura também leva o jogador para áreas externas, vilarejos, florestas e outros locais do universo bruxo.

Grande parte da graça está justamente em poder andar sem um objetivo imediato.

Você pode entrar em uma loja, explorar uma região desconhecida, encontrar criaturas ou simplesmente continuar seguindo uma estrada para descobrir onde ela termina.

Para quem sempre teve curiosidade de conhecer esse universo através de um jogo, essa liberdade de exploração é uma das características mais interessantes da experiência.

Starfield — um mundo aberto que olha para o espaço

Starfield tenta levar a ideia de exploração para uma escala diferente.

Em vez de concentrar toda a aventura em um único continente ou cidade, o jogo trabalha com uma ambientação espacial formada por diferentes planetas, sistemas e locais para visitar.

Isso muda o ritmo da exploração.

A sensação não é exatamente a mesma de atravessar um mapa terrestre gigantesco. O jogador passa de uma região para outra, encontra diferentes ambientes e decide quais lugares deseja investigar.

O ponto forte de Starfield está justamente nessa proposta de permitir que cada jogador construa sua própria relação com a exploração espacial.

Para algumas pessoas, a graça está nas missões. Para outras, está em viajar, conhecer novos lugares e descobrir o que existe além do objetivo principal.

Horizon Forbidden West — natureza, máquinas e ruínas

Horizon Forbidden West apresenta um mundo aberto visualmente marcante, mas sua identidade vai além dos gráficos.

A aventura de Aloy acontece em uma versão do planeta Terra onde a natureza retomou grandes áreas e máquinas semelhantes a animais fazem parte do ambiente.

Isso cria uma combinação interessante.

O jogador pode estar atravessando uma região aparentemente tranquila e, poucos minutos depois, encontrar uma máquina perigosa ou descobrir uma estrutura deixada pela humanidade do passado.

A variedade de ambientes também ajuda a evitar aquela sensação de estar explorando o mesmo cenário durante horas.

Florestas, desertos, regiões costeiras e áreas montanhosas fazem parte da jornada e ajudam a contar a história do mundo sem depender apenas de diálogos.

Ghost of Tsushima — explorar também faz parte da jornada

Ghost of Tsushima é um daqueles jogos em que a ambientação tem tanta importância quanto a própria história.

A aventura acompanha Jin Sakai durante a invasão mongol à ilha de Tsushima, no Japão do século XIII. Conforme o jogador atravessa a ilha, o cenário muda constantemente entre florestas, campos, praias, montanhas e vilarejos afetados pela guerra.

Mas existe um detalhe que torna a exploração especialmente interessante: o jogo evita depender o tempo inteiro de uma enorme quantidade de marcadores na tela.

Em determinados momentos, o próprio ambiente ajuda a indicar para onde seguir. O vento pode mostrar o caminho, animais podem levar o jogador até determinados locais e elementos da paisagem ajudam a chamar atenção para pontos de interesse.

Isso faz com que atravessar Tsushima não pareça apenas uma maneira de chegar à próxima missão.

Muitas vezes, o jogador acaba parando no caminho para investigar alguma coisa que chamou sua atenção.

Outro ponto forte está na forma como o jogo apresenta sua ambientação. A direção artística utiliza cores, iluminação e paisagens para criar momentos que parecem saídos de um filme de samurai.

E é justamente essa combinação entre exploração e atmosfera que faz Ghost of Tsushima funcionar tão bem como mundo aberto.

O mapa não precisa estar constantemente jogando atividades na frente do jogador. Às vezes, simplesmente cavalgar por uma estrada, observar uma floresta ou seguir o vento já faz parte da experiência.

Para quem gosta de mundos abertos que dão espaço para o jogador explorar no próprio ritmo, Tsushima é um exemplo que merece ser conhecido.

Assassin’s Creed Mirage — um mundo aberto com outra proposta

Assassin’s Creed Mirage merece espaço nesta conversa porque segue uma proposta diferente de alguns dos enormes RPGs de mundo aberto.

Em vez de tentar transformar a série em uma experiência gigantesca cheia de sistemas diferentes, o jogo se concentra mais na experiência de ser um assassino.

Bagdá possui uma estrutura que combina bem com isso.

Ruas, telhados, mercados e construções ajudam a criar diferentes possibilidades para atravessar a cidade e observar os arredores.

A verticalidade também é importante.

Em muitos momentos, olhar para cima pode ser tão importante quanto olhar para frente.

O jogo lembra que um mundo aberto não precisa ser gigantesco para funcionar. A maneira como o espaço é construído pode ser mais importante do que simplesmente aumentar o tamanho do mapa.

Minecraft — o mundo aberto que praticamente não termina

Talvez nenhum outro jogo tenha levado tão longe a ideia de transformar o jogador em criador quanto Minecraft.

Aqui, o mundo não existe apenas para ser explorado.

Ele também pode ser modificado.

Montanhas podem desaparecer, construções podem surgir do nada e pequenas casas podem acabar se transformando em enormes projetos depois de muitas horas.

O jogador pode explorar cavernas, procurar recursos, enfrentar criaturas ou simplesmente passar horas construindo alguma coisa.

É justamente essa liberdade que faz Minecraft ocupar um espaço diferente entre os jogos de mundo aberto.

Não existe uma única maneira correta de jogar.

Para algumas pessoas, a aventura está na sobrevivência. Para outras, está na construção. E há quem simplesmente queira explorar e descobrir o que existe além do horizonte.

Clássicos de mundo aberto que continuam valendo a pena

Nem todo jogo precisa ser recente para continuar sendo interessante.

Alguns títulos ajudaram a definir características que hoje parecem comuns nos mundos abertos.

Grand Theft Auto V

GTA V transformou Los Santos em um enorme playground.

A cidade permite dirigir, explorar diferentes regiões, participar de atividades e simplesmente observar as situações absurdas que podem acontecer pelo caminho.

Mesmo anos depois do lançamento, a quantidade de possibilidades oferecidas pelo mapa ajuda a explicar sua longevidade.

The Elder Scrolls V: Skyrim

Skyrim é outro exemplo de jogo que incentiva o jogador a abandonar a missão principal.

Uma viagem aparentemente simples pode terminar em uma caverna, uma ruína antiga ou uma missão completamente diferente daquela que estava planejada.

É um dos melhores exemplos de como a curiosidade pode conduzir uma aventura.

Grand Theft Auto: San Andreas

Antes de GTA V, San Andreas já mostrava como uma grande área poderia ser usada para criar sensação de viagem.

Los Santos, San Fierro e Las Venturas apresentavam ambientes diferentes e ajudavam a dar ao jogo uma escala impressionante para sua época.

Até hoje, o título permanece importante para entender a evolução dos mundos abertos.

O que esses jogos têm em comum?

Apesar de serem experiências completamente diferentes, existe uma característica que aproxima todos esses jogos:

eles dão ao jogador motivos para sair do caminho principal.

Esse talvez seja o ponto mais importante de um mundo aberto.

Um mapa enorme pode impressionar na primeira hora, mas seu tamanho perde importância quando não existe nada interessante para encontrar.

Por outro lado, uma área pequena pode se tornar inesquecível quando possui personagens interessantes, segredos, histórias ou situações que despertam curiosidade.

É por isso que o tamanho do mapa não deveria ser o principal critério para avaliar um jogo desse gênero.

O que existe dentro dele é muito mais importante.

Mundo aberto também virou parte da Cultura Gamer

Os mundos abertos também mudaram a maneira como os jogadores compartilham suas experiências.

Hoje, uma pessoa pode descobrir um segredo em Elden Ring, encontrar uma situação inesperada em Red Dead Redemption 2, construir alguma coisa absurda em Minecraft ou encontrar uma missão escondida em Cyberpunk 2077 e transformar aquilo em vídeo, meme ou discussão na internet.

Isso cria uma característica muito interessante: duas pessoas podem jogar o mesmo título e terminar a experiência com histórias completamente diferentes.

Uma pode passar horas explorando.

Outra pode ignorar quase tudo e seguir a campanha.

Uma terceira pode passar mais tempo construindo, caçando segredos ou testando possibilidades.

Essa liberdade ajudou a transformar os jogos de mundo aberto em uma parte importante da cultura gamer.

Afinal, por que gostamos tanto de mundos abertos?

Talvez a resposta esteja justamente na possibilidade de fazer algo que o jogo não está exigindo naquele momento.

Você pode seguir a missão principal.

Pode explorar uma área desconhecida.

Pode ignorar tudo e procurar uma passagem escondida.

Pode simplesmente dirigir sem destino, observar o cenário ou testar uma mecânica que provavelmente nem precisava ser usada.

Os melhores mundos abertos entendem que o jogador também quer ter momentos que não estavam planejados.

É aí que uma grande aventura deixa de ser apenas uma sequência de missões e começa a parecer uma história própria.

No fim, não é o tamanho do mapa que faz um mundo aberto ser lembrado.

É a quantidade de motivos que ele oferece para você querer continuar descobrindo o que existe depois da próxima curva.

Os jogos cooperativos têm justamente esse poder. Eles transformam uma missão simples em uma história que o grupo vai lembrar depois, seja por uma vitória improvável, uma estratégia genial ou por aquela decisão completamente errada que colocou todo mundo em perigo.

Em 2026, existem opções para praticamente qualquer tipo de grupo. Há aventuras pensadas exclusivamente para duas pessoas, RPGs enormes, jogos de terror, sobrevivência, tiro, construção e até experiências em que o maior inimigo pode ser a falta de organização da própria equipe.

Por isso, em vez de simplesmente montar uma lista de jogos famosos, a proposta aqui é outra: mostrar o que cada jogo oferece e para qual tipo de grupo ele funciona melhor.

Qual jogo combina com a sua galera?

Antes de escolher, vale pensar no tipo de experiência que vocês procuram.

Querem uma aventura construída especificamente para duas pessoas? It Takes Two e Split Fiction entram nessa categoria.

Preferem algo mais caótico e engraçado? Overcooked! All You Can Eat pode transformar uma cozinha virtual em uma verdadeira zona de guerra.

A ideia é sobreviver? Don’t Starve Together e Minecraft oferecem propostas bem diferentes para isso.

Se a intenção é tomar susto, Phasmophobia e GTFO seguem caminhos distintos, mas ambos exigem comunicação.

E se o grupo quer simplesmente entrar em uma partida, atirar em tudo e tentar sobreviver, ainda existem opções como Left 4 Dead 2 e Deep Rock Galactic.

1. It Takes Two

Ideal para: 2 jogadores
Estilo: aventura, plataforma e puzzles
Cooperação: local e online

It Takes Two não tenta adaptar uma campanha tradicional para o multiplayer. O jogo foi construído desde o início para que duas pessoas precisem jogar juntas.

Você controla Cody ou May, um casal que está passando por uma crise e acaba transformado em pequenos bonecos. A partir daí, a aventura mistura plataformas, puzzles, combates e situações completamente diferentes umas das outras.

O interessante está justamente na forma como o jogo muda constantemente as ferramentas disponíveis para cada personagem. Uma parte pode exigir coordenação; outra pode colocar os dois jogadores em situações completamente diferentes.

É uma escolha especialmente boa para quem quer uma experiência cooperativa com começo, meio e fim, em vez de simplesmente entrar em partidas independentes.

E continua sendo uma opção bastante acessível em 2026, inclusive com chegada ao Nintendo Switch 2. A EA também mantém o Friend’s Pass, permitindo que outra pessoa participe da experiência sem necessariamente comprar uma segunda cópia completa do jogo.

2. Split Fiction

Ideal para: 2 jogadores
Estilo: ação e aventura
Cooperação: local e online

Se It Takes Two mostrou o quanto uma aventura pode ser construída em torno de dois jogadores, Split Fiction levou essa ideia para uma nova história.

O jogo acompanha Mio e Zoe, duas escritoras que acabam presas dentro de mundos criados a partir de suas próprias histórias. A partir daí, a aventura mistura ficção científica, fantasia, plataformas, ação e diferentes mecânicas cooperativas.

O grande diferencial é a variedade.

Uma fase pode colocar os jogadores em um cenário de ficção científica e, pouco depois, a dupla pode estar enfrentando uma situação completamente diferente em um mundo fantástico.

É uma ótima escolha para quem terminou It Takes Two e quer outra aventura cooperativa pensada especificamente para duas pessoas.

3. Overcooked! All You Can Eat

Ideal para: grupos que gostam de caos
Estilo: cozinha e ação
Cooperação: local e online

Poucos jogos conseguem transformar uma tarefa aparentemente simples em uma confusão tão grande quanto Overcooked!.

A missão parece fácil: preparar pratos, organizar ingredientes e entregar os pedidos.

O problema é que a cozinha nunca colabora.

Enquanto uma pessoa corta os ingredientes, outra precisa cozinhar. Alguém precisa lavar a louça. Outro jogador deveria entregar os pratos. E, em algum momento, provavelmente alguém vai esquecer completamente o pedido que estava preparando.

All You Can Eat reúne conteúdos da série em uma experiência mais completa, tornando-se uma opção interessante para quem quer partidas rápidas e muita interação entre os jogadores.

É também aquele tipo de jogo em que a frase “foi culpa sua” pode aparecer com frequência no chat de voz.

4. Deep Rock Galactic

Ideal para: grupos que gostam de trabalhar em equipe
Estilo: FPS e exploração
Cooperação: online

Em Deep Rock Galactic, simplesmente ter bons reflexos não resolve tudo.

Os jogadores assumem o papel de anões espaciais enviados para explorar cavernas, coletar recursos e enfrentar criaturas alienígenas. Cada classe possui habilidades diferentes, e a equipe precisa entender como combinar essas funções.

É justamente aí que o jogo fica interessante.

O explorador pode ajudar a alcançar áreas difíceis. O engenheiro cria estruturas para facilitar a movimentação. O driller abre caminhos e o gunner fornece poder de fogo.

Quando tudo funciona, a equipe parece uma máquina bem organizada.

Quando não funciona, quatro jogadores podem passar vários minutos tentando descobrir por que ninguém trouxe aquilo que a missão precisava.

5. Minecraft

Ideal para: quem quer liberdade
Estilo: sandbox e sobrevivência
Cooperação: online e multiplayer

Minecraft talvez seja o exemplo mais fácil de entender quando falamos sobre liberdade no multiplayer.

Não existe apenas uma maneira de jogar.

Um grupo pode construir uma enorme cidade. Outro pode passar horas explorando cavernas. Alguns preferem criar fazendas automáticas, enquanto outros simplesmente querem sobreviver à primeira noite sem serem atacados por uma criatura.

É justamente essa liberdade que faz o jogo funcionar tão bem com amigos.

A diversão não depende necessariamente de seguir uma campanha tradicional. O próprio grupo cria os objetivos e, muitas vezes, são esses projetos improvisados que acabam produzindo as melhores histórias.

6. Phasmophobia

Ideal para: quem gosta de terror
Estilo: investigação paranormal
Cooperação: online

Em Phasmophobia, os jogadores entram em locais assombrados para investigar atividades paranormais e tentar descobrir qual entidade está causando os fenômenos.

Parece simples no papel.

Na prática, existe uma diferença enorme entre entrar em uma casa mal-assombrada sozinho e entrar com três amigos que estão igualmente assustados.

A comunicação faz parte da experiência. É preciso observar pistas, usar equipamentos e tomar decisões enquanto a ameaça pode aparecer a qualquer momento.

O jogo continua recebendo atenção em 2026, com atualizações planejadas para melhorar diferentes aspectos da experiência. A versão 1.0, porém, foi adiada para 2027.

Para quem gosta de terror cooperativo, isso significa que Phasmophobia continua sendo um jogo em evolução.

7. Left 4 Dead 2

Ideal para: quem quer ação direta
Estilo: FPS e sobrevivência
Cooperação: equipe

Left 4 Dead 2 não precisa de uma história gigantesca para explicar o que você precisa fazer.

Há uma horda de infectados vindo na sua direção.

Sobreviva.

O problema é que sobreviver fica muito mais difícil quando alguém decide correr sozinho, esquece de ajudar o companheiro ou resolve gastar recursos na hora errada.

A força do jogo está justamente nessa dinâmica. Os jogadores precisam avançar juntos, proteger quem ficou para trás e reagir aos acontecimentos da partida.

Mesmo sendo um jogo lançado há muitos anos, sua estrutura continua funcionando porque a cooperação está no centro da experiência.

8. Sea of Thieves

Ideal para: grupos que gostam de explorar
Estilo: aventura e pirataria
Cooperação: online

Sea of Thieves funciona de maneira diferente dos jogos tradicionais da lista.

Aqui, o grupo não recebe simplesmente uma sequência linear de fases para completar.

Vocês têm um navio, um mundo aberto e liberdade para decidir o que fazer.

Um jogador pode cuidar da navegação enquanto outro observa o horizonte. Outro pode preparar o navio para uma batalha, enquanto alguém explora uma ilha.

E existe sempre a possibilidade de encontrar outros jogadores no caminho.

Isso cria uma característica interessante: algumas das melhores histórias de Sea of Thieves não são planejadas. Elas simplesmente acontecem.

9. Don’t Starve Together

Ideal para: quem gosta de sobrevivência
Estilo: sobrevivência e exploração
Cooperação: local e online

Don’t Starve Together pega a fórmula de sobrevivência e coloca mais uma variável na equação: agora seus amigos também precisam sobreviver.

É necessário coletar recursos, construir estruturas, encontrar comida e entender como funciona um mundo que parece determinado a acabar com a equipe.

A cooperação faz diferença porque os jogadores podem dividir tarefas.

Enquanto alguém procura recursos, outro pode cuidar da base. Um terceiro pode explorar uma região perigosa.

O problema é que o mundo continua sendo hostil.

E morrer junto com os amigos pode ser menos frustrante do que morrer sozinho — especialmente quando você pode descobrir exatamente quem tomou a decisão errada.

10. Baldur’s Gate 3

Ideal para: grupos que querem uma aventura longa
Estilo: RPG
Cooperação: até quatro jogadores

Baldur’s Gate 3 mostra que cooperação não precisa significar apenas correr, atirar ou resolver puzzles.

Aqui, os jogadores participam de uma enorme aventura de RPG na qual decisões, diálogos, combates e escolhas podem mudar a maneira como a história se desenvolve.

A graça de jogar com amigos está justamente na diferença de opiniões.

Um jogador pode querer conversar com determinado personagem.

Outro pode preferir atacar.

Um terceiro pode ter uma ideia completamente absurda que, por algum motivo, acaba funcionando.

Como a campanha é longa e cheia de possibilidades, é uma opção especialmente interessante para grupos que querem transformar a jogatina em um projeto de várias sessões.

11. Justice League Heroes

Ideal para: quem gosta de super-heróis e cooperação local
Estilo: ação e RPG
Cooperação: multiplayer local

Justice League Heroes leva personagens da Liga da Justiça para uma aventura de ação com elementos de RPG. No PS2, dois jogadores podem assumir heróis diferentes e avançar juntos pela campanha.

A graça está em combinar personagens com poderes distintos durante os combates. Enquanto um jogador pode controlar Superman, outro pode escolher Batman, Flash, Mulher-Maravilha ou outro integrante disponível, criando combinações diferentes durante a aventura.

É uma escolha especialmente interessante para quem cresceu jogando no PS2 e quer relembrar uma época em que reunir dois controles na mesma sala era praticamente o começo obrigatório de uma boa sessão multiplayer.

12. GTFO

Ideal para: quem quer cooperação de verdade
Estilo: FPS e terror
Cooperação: equipe

Se alguns jogos permitem que um jogador faça quase tudo sozinho, GTFO segue o caminho contrário.

A comunicação e o planejamento são fundamentais.

Os jogadores exploram instalações subterrâneas perigosas enquanto tentam cumprir objetivos e evitar criaturas. Entrar correndo e atirando pode ser exatamente a pior decisão possível.

Aqui, silêncio, posicionamento e coordenação podem fazer diferença.

É o tipo de experiência indicada para quem quer jogar com amigos e realmente depender deles.

Se você procura um jogo em que a equipe precisa conversar antes de agir, GTFO merece atenção.

E os clássicos cooperativos?

Nem todo jogo cooperativo precisa ser recente para continuar funcionando.

Portal 2, por exemplo, continua sendo uma excelente opção para quem gosta de puzzles que realmente exigem raciocínio conjunto.

Castle Crashers aposta em uma proposta muito mais simples: combate, humor e multiplayer para jogar sem precisar aprender dezenas de sistemas.

E Left 4 Dead continua sendo uma referência para quem quer entender como uma campanha cooperativa de tiro pode criar situações diferentes a cada partida.

A idade de um jogo não determina se ele ainda funciona com amigos.

Às vezes, uma mecânica bem construída envelhece melhor do que gráficos impressionantes.

Qual desses jogos combina com sua galera?

Se a dúvida ainda estiver grande, dá para resumir assim:

A ideia não é escolher um único vencedor.

O jogo que funciona para quatro amigos que adoram caos pode ser completamente diferente daquele que funciona para uma dupla que prefere uma campanha com história.

Como fazer uma boa sessão cooperativa

Escolher o jogo é só metade da história.

Também vale combinar algumas coisas antes de começar.

Definam o objetivo da sessão.
Vocês querem avançar na campanha, explorar, construir ou simplesmente entrar para fazer bagunça?

Escolham jogos compatíveis com o tamanho do grupo.
Uma aventura pensada para duas pessoas não vai funcionar da mesma maneira com quatro.

Por que jogos cooperativos continuam tão divertidos em 2026?

O multiplayer cooperativo mudou bastante com o passar dos anos.

Hoje existem experiências extremamente diferentes entre si. Alguns jogos transformam dois jogadores em protagonistas de uma aventura cinematográfica. Outros colocam equipes inteiras em mundos persistentes, enquanto alguns preferem criar situações imprevisíveis em partidas relativamente curtas.

O mais interessante é que a tecnologia não eliminou a essência da cooperação.

Ainda existe aquele momento em que um amigo precisa ser salvo.

Ainda existe a estratégia que só funciona porque cada jogador fez sua parte.

E ainda existe aquela partida que deveria durar meia hora e termina três horas depois porque ninguém quer ser o primeiro a sair.

No fim, talvez seja justamente isso que faça os jogos cooperativos continuarem funcionando tão bem: eles não entregam apenas uma partida. Eles criam histórias que acontecem entre os jogadores.

E algumas dessas histórias são muito melhores quando tudo dá errado.